国府 弘子 ／ ピアノ・タペストリー

　タペストリー，それは織物。タペストリー，それは綴織。『ＰＩＡＮＯ　ＴＡＰＥＳＴＲＹ』（以下『ピアノ・タペストリー』），それは国府弘子による公式「鶴の恩返し」。

　そう。『ピアノ・タペストリー』とは「一枚の布を織り上げるように音の響きを紡いで生まれた珠玉のソロ・ピアノ即興による有名曲のカヴァー集」。
　レコーディングまでの準備期間はゼロ。国府弘子はピアノに向かうまで譜面や構成を一切準備しなかったという。
　あの日あの時，国府弘子が自然に弾きたいと思った馴染みの美メロが「表われては消えてゆく」…。記憶と音と創造の糸を縦横に織り込んで出来上がった『ピアノ・タペストリー』…。

　国府弘子の心象風景の移ろいを感じられるような音の連なりが絶妙であって，１つ１つの曲の構成よりも１８曲全てを聴き通して１つの大きな曲が完成している。事実『ピアノ・タペストリー』は，曲間わずかに１秒な感じで，１８曲がコンパクトに連続で一気に流れていく。
　ピアノが優しくしっとりと詩情豊かに絡み合ってくる感じで，曲が変わっても静かに数曲前のメロディー語りかけてくる。最高の完成度である。
　あれっ，これってＤＪが２台のターンテーブルで曲をつなぎ合わせる手法と似ているのか？　“ＤＪ国府”の絶妙なつなぎに「萌え」〜。

　ＮＯ！　本来『ピアノ・タペストリー』は繰り返し聴き込む種類のアルバムではないが，気持ち良くて何度も聴いているうちに気付いたことがある。
　『ピアノ・タペストリー』の真髄とは，タペストリーとは真逆の「解体新書」なのだと思う。
　音を紡いでいるはずなのに，実際には音のひだをほどいていく感覚…。国府弘子が自分の心を覆う内面のベールを，１枚１枚剥ぎ取っては聴かせてくれるような感覚…。

　国府弘子の体内の膨大な美メロのデータベースの中からセレクトされた名曲中の名曲が１８曲。その中でも“最も美味しい”メロディー・ラインが切り抜かれて提示されている。
　そう。『ピアノ・タペストリー』がカヴァー集なのに名盤と称される理由とは，アルバムを織り成す１本１本の糸が強く美しいからである。

　国府弘子自身は『ピアノ・タペストリー』を「鶴の恩返し」を例に解説している。鶴の化身が部屋に隠れて機を織る様子をソロ・ピア
ノのスタジオ作業に重ねている。
　スタジオの中にはピアニストが一人ぼっち。そのピアニストは，誰かの喜びのために，一人せっせと作業をしている。名曲を１度完全に解体して，その中で使用されていた糸を取り出して再構築してみせたのが『ピアノ・タペストリー』なのである。

　とは言え『ピアノ・タペストリー』はスタジオ・ライブ・レコーディング。“ＤＪ国府”の解体力と構築力が図抜けている。いい演奏である。

　　01. OVERTURE
　　02. MAIDEN VOYAGE
　　03. CHANGE THE WORLD
　　04. REQUIEM
　　05. INVENTION
　　06. IN MY LIFE
　　07. FIELDS OF GOLD
　　08. SCARBOROUGH FAIR / CANTICLE
　　09. PASTORALE〜BURGMULLER FROM “25 EASY STUDIES OP.100”
　　10. OVER THE RAINBOW〜IT MIGHT AS WELL BE SPRING〜MY
　　　　 GRAND FATHER'S CLOCK
　　11. LADY MOONLIGHT
　　12. KAERENAI-FUTARI
　　13. WHAT A WONDERFUL WORLD〜MIAGETEGORAN-
　　　　 YORUNOHOSHIWO
　　14. PASSARADA〜LUCK IN THE RAIN
　　15. SUNSHINE DAY
　　16. 'ROUND MIDNIGHT
　　17. SUNSET BEACH
　　18. CLIMB EV'RY MOUNTAIN

（ビクター／JVC 2001年発売／VICJ-60746）
（デジパック仕様）
（ライナーノーツ／国府弘子）

デューク・ピアソン ／ プレイリー・ドッグ

　デューク・ピアソン大好き人間として断言しよう。『ＰＲＡＩＲＩＥ　ＤＯＧ』（以下『プレイリー・ドッグ』）でデューク・ピアソンは「一度壊れてしまった」のだと思う。
　『プレイリー・ドッグ』で，初期のデューク・ピアソンが逝っている。『プレイリー・ドッグ』こそが，デューク・ピアソン「バージョン２」の始まりなのである。

　“天才”ゆえの悩みなのか，初めてブチ当たった壁なのか，デューク・ピアソンが“リリカル＆ファンキー”路線の「自分の殻を打ち破ろうと」必死にもがいている。

　５拍子と６拍子が交錯する【ＴＨＥ　ＦＡＫＩＲ】は，なぜに今更な【ＴＡＫＥ　ＦＩＶＥ】と【ＭＹ　ＦＡＶＯＲＩＴＥ　ＴＨＩＮＧＳ】的なフルートとソプラノ・サックスの，いいとこどりな合作である。

　【ＰＲＡＩＲＩＥ　ＤＯＧ】も，ゴスペルチックなデューク・ピアソンのリバイバル・ソングであって，ギターとホーンのアンサンブルが延々続くカントリー・ソング。【ＰＲＡＩＲＩＥ　ＤＯＧ】こそがアメリカン・フォークの「王道」である。

　ブルース調の【ＳＯＵＬＩＮ’】とモーダルな【ＬＩＴＴＬＥ　ＷＡＬＴＺ】では「新主流派」的な“リリカル＆ファンキー”であって，この２トラックがデューク・ピアソンの“らしさ”＆“さすが”が“ＣＯＯＬ”に伝わってくる。
　他のアルバムに入っていたなら名演として押されたのかもしれないが，個性派揃いの『プレイリー・ドッグ』の中に入っていては，平凡すぎて埋没しているのかなぁ。

　【ＨＵＳＨ−Ａ−ＢＹＥ】と【ＡＮＧＥＬ　ＥＹＥＳ】は，共にジャズライン時代に取り上げたデューク・ピアソンの愛想曲の再演。
　アレンジを前回から思いっきり変えて，チェレスタのデューク・ピアソンとベーシストのボブ・クランショウとの白眉のデュエット。
　美しいオルゴールの世界の後ろでボブ・クランショウの「ブンブン」弾きまくる低音をフィーチャリングしたアイディアが素晴らしいと思う。

　そう。『プレイリー・ドッグ』は，デューク・ピアソンによる「本当にやりたかったいジャズの総決算」的なアルバムである。
　果たして，その出来映えであるが，デューク・ピアソンが自分自身で過去のデューク・ピアソンを否定したかのようなアルバムに聴こえる。

　やりたいことが多すぎて，どうまとめたらよいのか先が見えずに，自分をコントロールできなくなったデューク・ピアソンの“知性派”が初めて乱れている。トータル・イメージが散漫なデューク・ピアソンの“闘争本能”が露わにされている。

　でもそこがたまらなくいいのだ。まとまりなど二の次なのだ。出来は一段落ちる。
　でも「完全に壊れてしまった」デューク・ピアソンが聴ける。これこそが『プレイリー・ドッグ』最大の聴き所なのだ。

　出来の悪い子供こそ「情が移る」というものだ。時間をおいて練り上げられた名盤『ＳＷＥＥＴ　ＨＯＮＥＹ　ＢＥＥ』への初期の制作過程を聴いている気分になれるのも良い。
　だ・か・ら『プレイリー・ドッグ』は聴き飽きない。

　　01. THE FAKIR
　　02. PRAIRIE DOG
　　03. HUSH-A-BYE
　　04. SOULIN'
　　05. LITTLE WALTZ
　　06. ANGEL EYES

（アトランティック・ジャズ／ATLANTIC JAZZ 1966年発売／WPCR-27166）
（ライナーノーツ／ジャック・ショー，岡崎正通）

国府 弘子 ／ モーメンツ

　『ＤＩＡＲＹ』〜『ＰＩＡＮＯ　ＬＥＴＴＥＲ』と来て，国府弘子に“お熱を出した”管理人は過去作を漁るアクション〜。

　ただし，その時，たまたまだったのだろうが，千葉市内，習志野市内，船橋市内を数軒回ってＣＤ屋で買えた国府弘子の過去作は『ＰＵＲＥ　ＨＥＡＲＴ』１枚のみ。
　もやもやしつつ，東京へ買いに出かけようかというタイミングでリリースされたのが，国府弘子初の日本向けとなるベスト盤『ＭＯＭＥＮＴＳ』（以下『モーメンツ』）。

（　注：国府弘子は海外進出のため１９９６年に，同じアルバム・タイトルにして内容は別物のＵＳ向けベスト盤『ＭＯＭＥＮＴＳ』をリリース済です　）

　『モーメンツ』は，これまた通常のベスト盤とは異なる，バラード・ベストなのが気になる部分だが，未発表曲が３曲もあるという理由付けですぐさま購入。
　正しくベスト盤『モーメンツ』とは“国府ワールド”が生み出されてきた一瞬一瞬の『ＭＯＭＥＮＴＳ』。素晴らしい。

　フュージョンっぽい展開が顔をのぞかせるバラード・ナンバーの中にあって，しっとりと雄大なドラマを見せられている気分に“うっとり”浸れます。
　国府弘子はアコースティック・ピアノだけを演奏しているのだが，実際にピアノの音から出て来るのは色彩豊かなピアノのオーケストラ。
　ピアノを引き立てるバックのシンセサイザーが効果的に流れているので，聴き所となる美メロの波長がダイレクトに飛び込んでくる。

　さて，当分は『モーメンツ』で満足していた管理人だが，やっぱり国府弘子の本質は「生粋のジャズメン」にある。
　【スムーズ・ストラッティン】や【ゴーイング・ゴーイング・オン】のようなエネルギッシュで超カッコイイ演奏ももっと聴いてみたい。そんな「静から動」への好転反応を目論んでいたとしたならばＪＶＣに，まんまとやられてしまいましたな。

　『モーメンツ』とは，そんな国府弘子・ファンとしての欲求のマグマが押し上げられるかのようなバラード・ベストだと思う。
　もっともそんな衝動を一番感じたのは当の国府弘子本人だと思う。国府弘子さん，バイタリティに富んだ本当のあなたを聴いて欲しいですよね？
　だ・か・ら・管理人は国府弘子初心者の皆さんには『ウェルカム・ホーム　〜国府弘子　ベスト＆モア〜』から入ることをお奨めいたします。

　管理人の結論。『モーメンツ』批評。

　だ・か・ら・２・『モーメンツ』は回り回って，未発表曲３曲を聴くためのバラード・ベスト。“弘子節”が生み出されてきた一瞬一瞬の『ＭＯＭＥＮＴＳ』が素晴らしい。

　　01. Horizon
　　02. In Your Arms
　　03. Essence
　　04. Somewhere In Time
　　05. Etude
　　06. Over The Sevem Seas
　　07. Gone...
　　08. Sunset Beach
　　09. Playing Love (from "The Legend Of 1900")
　　10. Lady Moonlight
　　11. Once And Forever
　　12. Happiest You (For Your Wedding)
　　13. Apres L'amour (Missing You)
　　14. Night In Capri
　　15. Calling You

（ビクター／JVC 2000年発売／VICJ-60554）
（ライナーノーツ／国府弘子）

デューク・ピアソン ／ ハニーバンズ

　『ＨＯＮＥＹＢＵＮＳ』（以下『ハニーバンズ』）は「デューク・ピアソン・ノネット」名義。デューク・ピアソンをリーダーとする９人編成による６管オーケストラ。中型のコンボと呼んで良いだろう。

　３管ハード・バップの『ＷＡＨＯＯ』で芽生えていたデューク・ピアソンの「オーケストレーションの才能」が花開いている。
　『ハニーバンズ』が“ポップなジャズ・ロック調”だからなのだろう。「デューク・ピアソン・ノネット」を聴いていると「サド・ジョーンズ＝メル・ルイス・ジャズ・オーケストラ」のイメージと被る瞬間がある。

　そう。「デューク・ピアソン・ノネット」の真髄とはデューク・ピアソンのリハーサル・オーケストラ。デューク・ピアソンとその仲間たちが，思う存分，自分たちで楽しむために集まったジャズ・オーケストラ。
　デューク・ピアソン印でスマートにアレンジ演奏された，ファンキーで楽しい演奏がレコーディングされたのはアトランティック・ジャズの実験作＝３００２番の巡り会わせだったから！

　すなわち『ハニーバンズ』の録音メンバーは，ピアノのデューク・ピアソン，トランペットのジョニー・コールズ，アルト・サックスのジェームス・スポールディング，テナー・サックスのジョージ・コールマン，バリトン・サックスのペッパー・アダムス，トロンボーンのガーネット・ブラウン，フルートのレス・スパン，ベースのボブ・クランショウ，ドラムのミッキー・ローカーの９名なのだが，本当はここにブルーノート専属ゆえ参加できなかったドナルド・バード，ハンク・モブレイ，ジャッキー・マクリーン，ジョー・ヘンダーソン辺りも加わったイメージで「聴いて楽しめる」のがデューク・ピアソンのリハーサル・オーケストラ！

　先に『ハニーバンズ』について“ポップなジャズ・ロック調”と書いてみたが『ハニーバンズ』は，ジャズ・ロックの仮面の裏でデューク・ピアソンと仲間たちが“遊んでいる”のは「新しいモード・ジャズ」である。

　同じ音のメロディーに対してコードが半音ずつ下降する複雑なモチーフが転調しながら繰り返される。このように文章にすると小難しく感じるかもしれないが，実際に音として聴いてみると６管がスインギーに“ねちっこいハーモニー”していて新鮮に響いている。２０１７年の耳にも新鮮なリリカルが響く。
　やっぱりデューク・ピアソンのハイセンスは凄かった！

　管理人の結論。『ハニーバンズ』批評。

　『ハニーバンズ』は『ＷＡＨＯＯ』でレコーディングのリハーサルを終えたデューク・ピアソンのリハーサル・オーケストラによる本番セッション。

　「デューク・ピアソン・ノネット」の“夜な夜なの音遊び”は，毎回毎回凄かった。１回１回の演奏が『ハニーバンズ２』『ハニーバンズ３』だったと想像する。

　　01. HONEYBUNS
　　02. NEW GIRL
　　03. YOU KNOW I CARE
　　04. IS THAT SO
　　05. OUR LOVE
　　06. HEAVY LEGS

（アトランティック・ジャズ／ATLANTIC JAZZ 1966年発売／WPCR-27121）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，後藤誠）

デューク・ピアソン ／ ワフー

　『ＷＡＨＯＯ』（以下『ワフー』）＝『和風』である。これはダジャレでも，もっと言えば『ＹＡＨＯＯ』でもない。

　管理人は『ワフー』を聴く度に，自分がなぜにそこまでデューク・ピアソンが大好きなのか，その理由を再確認させられてしまう。
　ズバリ，タイトル・トラック【ＷＡＨＯＯ】はデューク・ピアソン版の【リンゴ追分】だと言い切ってしまおう。

　デューク・ピアソンを語る際，デューク・ピアソンが持つ「異国情緒」は外せないのだが，特にデューク・ピアソンは他の外国人ジャズメン以上に日本人的である。
　デューク・ピアソンの楽曲に，雅楽とか三味線が登場してもおかしくない。あるいは演歌が登場してもおかしくない。そんな日本人的なメロディー・ラインに惚れてしまうのだと自己分析している。

　後の「デューク・ピアソン・ビッグ・バンド」の出発点となる『ワフー』が織りなす３管ハード・バップが，日本の歌番組で歌謡曲を演奏するビッグ・バンド『和風』に聴こえてしまう。
　この意見に同意する人は少ないのかもしれないが，偶然，この『ワフー』批評を目にした方は，そんな視点で聴いてみてほしい。一度そう思ってしまうとそのように聴こえると思うから…。その方が後々幸福だと思うから…。

（　個人的には「デューク・ピアソン・ビッグ・バンド」を「ＮＥＷ　ＨＥＲＤ」だと思いたい！　ただし，デューク・ピアソンは，こればかりではなく正統派のジャズも生涯続けた「二刀流」「三刀流」のハイセンス・マルチ・ミュージシャンの筆頭格。聴けば聴くほど素晴らしい才能にメロメロきます　）

　まっ，そういうことで『ＰＲＯＦＩＬＥ』『ＴＥＮＤＥＲ　ＦＥＥＬＩＮ’Ｓ』と“ジャズ・ピアニスト”としてブルーノートで活動してきたデューク・ピアソンだったが『ワフー』以降は“プレイング・マネージャー”として，アレンジャーやプロデューサーの視点で，非アメリカ的なブルーノートのジャズを創造していくことになる。

　興味深いのは，デューク・ピアソンと同時期のブルーノートというレコード会社は，ハービー・ハンコックやウェイン・ショーターに代表される「新主流派」のリリース・ラッシュ。
　それなのに，デューク・ピアソンの思うがままに『和風』３管ハード・バップを作らせたアルフレッド・ライオンのデューク・ピアソンに対する信頼とは如何許りであろうか？

　さて，ここまで書いてきてあれなのたが，個人的には『ワフー』は，デューク・ピアソンの名盤群からはワンランク落ちる。理由は全体のトーンが落ち着いて重い。
　『ワフー』で，グッと来るのは【ＦＡＲＥＷＥＬＬ　ＭＡＣＨＥＬＬＥ】【ＷＡＨＯＯ】の２トラックのみ。

　これは『ワフー』の制作を許したブルーノートとアルフレッド・ライオンにとっての悲しいお知らせであるが『ワフー』でデューク・ピアソンが取り組んだ“管を鳴らす”アイディアが音楽として完成したのは，後の『ＩＮＴＲＯＤＵＣＩＮＧ　ＤＵＫＥ　ＰＥＡＳＯＮ’Ｓ　ＢＩＧ　ＢＡＮＤ』ではなく，アトランティック・ジャズからリリースされた『ＨＯＮＥＹＢＵＮＳ』と『ＰＲＡＩＲＩＥ　ＤＯＧ』の方である。

　しかし，そうではあってもデューク・ピアソン・フリークにとって『ワフー』の重要性はやっぱり外せない。
　ドナルド・バードのトランペット，ジェームス・スポールディングのアルト・サックス，ジョー・ヘンダーソンのテナー・サックスを３管アンサンブルとしてではなく，美空ひばりばりのソウルフルなソロイストとしても起用したデューク・ピアソンのハイセンスな音楽眼は聴き逃せない。

　　01. AMANDA
　　02. BEDOUIN
　　03. FAREWELL MACHELLE
　　04. WAHOO
　　05. ESP(EXTRASENSORY PERCEPTION)
　　06. FLY LITTLE BIRD FLY

（ブルーノート／BLUE NOTE 1965年発売／TOCJ-4191）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，上条直之，福山誠）

国府 弘子 ／ ピアノ・レター

　国府弘子の“最高傑作”が『ＰＩＡＮＯ　ＬＥＴＴＥＲ』（以下『ピアノ・レター』）である。

　『ピアノ・レター』には管理人のド・ストライク＝【さくら便り】と【忘れないよ】が収録されている。ただそれだけで“最高傑作”に決まったわけなのだが，こんな名曲＆名演が２曲も入っているアルバムなんて，そう多くはありません。
　４曲目で大泣きして９曲目でむせび泣く。ＣＤ１枚で映画１本分の涙が出てスッキリ。しかも感動が１週間も長続きするのです。

　『ピアノ・レター』の「愛と希望，そして勇気」な音造りは，基本『ＤＩＡＲＹ』の延長線上に生まれた“国府ワールド”の最終完成作である。
　『ピアノ・レター』での国府弘子は，ジャズ・ピアニストであり，ピアノ・フュージョンなプレイヤーなのだが，全体の印象としては「バンド・リーダー」のように感じてしまう。

　日本人なら心の琴線に触れまくってしまうであろう，満開の【さくら便り】の三好功郎の“別れのギター”のフィルイン一発の破壊力から一転した八尋洋一の“グイグイ”ベース。
　そうして，懐かしい故郷，子供の頃に感じた夏の終わりとか，幸福な瞬間のアルバムをめくっているような気分に襲われる【忘れないよ】での篠崎正嗣のストリングスは，共に美しいピアノのメロディーではなく，ギターやベースやストリングスで「思いの丈」を表現したからこその感動ものだと思っている。

　そう。国府弘子は，もはや自らピアノを弾かなくとも，自分の音を狙い通りに奏でることができるコンポーザーにしてアレンジャー「ザ・国府弘子」なのである。
　これまでは都会的でハートフルな表現を得意としてきた国府弘子が，ポップスに寄ってエンターテイメントなピアノを弾いていく。しかし，どうしようもなくＪＡＺＺＹである。書き譜のＰＯＰなメロディー・ラインがアドリブで跳ねているように聴こえてしまう。

　国府弘子の人一倍感傷的なのに，明るく前向きな音楽が前面に出てきている。しかし，そこにはどうしても隠せない国府弘子の個性＝女性らしさ，優しさ，弱さ，もろさが同居して響いている。
　ピアノを弾いて，一生懸命に励ましてくれてありがとう。優しさに包まれ癒されました。今度は僕が君を励ましてあげる番だから…。

　『ピアノ・レター』で，国府弘子はデビュー当時の「不思議ちゃん」から「大人のジャズ・ピアニスト」へと見事に変貌を遂げている。ジャズ・ピアニストとして，表現の幅が広がったのだと思う。

　アコースティックなピアノ・トリオを基本としつつ，例えばピアノ・ソロ曲【スノー・ホワイト】などは，従来の国府弘子が積み重ねてきた“国府ワールド”がより鮮明に浮かび上がっており，国府弘子が伝えたかった音楽の本質が露わになったように思う。

　管理人の結論。『ピアノ・レター』批評。

　『ピアノ・レター』は「大人のジャズ・ピアニスト」国府弘子直筆の「ピアノで書き記された手紙」である。
　心のひだを震わせる，幾重にも重ね塗りされたＰＯＰにして奥深い音選びによる「唯一無二の表現力」は，日本の文学史上？かなりの名文だと思われます。

　　01. RIVER DANCE
　　02. GO GO GODZILLA
　　03. FOR YOUR BIRTHDAY
　　04. SAKURA-DAYORI
　　05. SNOW WHITE
　　06. AZZURRO FANTASIA
　　07. THE STRANGER
　　08. ACROSS THE MILES
　　09. WASURENAI-YO
　　10. SEKAI WA MELODY

（ビクター／JVC 1999年発売／VICJ-60420）

デューク・ピアソン ／ エンジェル・アイズ

　デューク・ピアソンの“幻の名盤”というか“幻のレーベル”「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」の１枚が『ＡＮＧＥＬ　ＥＹＥＳ』（以下『エンジェル・アイズ』）。

　「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」から正式にカタログとしてリリースされた『ハッシュ！』はまだしも『エンジェル・アイズ』の方は未発表音源のお蔵入り。
　リリースして回収するまでの資金がショートしただけの，内容は完璧＆発売目前でのお蔵入り。
　そう。『エンジェル・アイズ』こそが真に“幻の名盤”である。

　『エンジェル・アイズ』は，ピアノのデューク・ピアソン，ベースのトーマス・ハワード，ドラムのレックス・ハンフリーズによるピアノ・トリオ作。
　デューク・ピアソンのピアノ・トリオと来れば，やはりブルーノートの２枚『ＰＲＯＦＩＬＥ』と『ＴＥＮＤＥＲ　ＦＥＥＬＩＮ’Ｓ』がいい。いいのだが，ちょっと新感覚すぎるかもしれない。

　その点で『エンジェル・アイズ』でのデューク・ピアソンは，古風で正統派で“センス一本勝負の”ピアノ・スタイル。
　ブルーノート盤のリリカルで色鮮やかなピアノから離れて，何の気負いもなくピアノを楽しみながら弾いているだけなのだが，この心底上品な演奏に心揺さぶられてしまう。
　良く知られたジャズ・スタンダードを「慈しみながら」デューク・ピアソン流に弾いているのだが，鼻歌まじりのアドリブの美メロが素敵すぎる。メロディーが心に沁み渡ってくる。

　そう。『エンジェル・アイズ』でのデューク・ピアソンのオーソドックスなジャズ・ピアノには雰囲気がある。そして色気がある。

　管理人の結論。『エンジェル・アイズ』批評。

　デューク・ピアソンのさりげなく小技を効かせた，あっさり味の「後を引かない」ジャズ・ピアノが聴き流せない。逆に聴けば聴くほどクセになる。

　クライマックスを作らない，自由自在のアドリブがメロディーの良さを伝えてくる。これって簡単そうで並みのピアニストには出来ない芸当だと思う。
　デューク・ピアソンの“さらりとした”ジャズ・ピアノが，どうにも心に引っ掛かる。いい演奏である。
　
　　01. Bags' Groove
　　02. Le Carrousel
　　03. Angel Eyes
　　04. I'm An Old Cow Hand
　　05. Jeannine
　　06. Say You're Mine
　　07. Exodus
　　08. Le Carrousel (alternate take)
　　09. I'm An Old Cow Hand (alternate take)
　　10. Say You're Mine (alternate take)

（ジャズライン／JAZZLINE 1962年発売／MZCB-1184）
（☆ＨＱＣＤ仕様）
（紙ジャケット仕様）
（ライナーノーツ／後藤誠，小川充）

国府 弘子 ／ ダイアリー

　『ＤＩＡＲＹ』（以下『ダイアリー』）は国府弘子の７ヶ月間のロサンゼルス生活からの帰還報告。
　『ダイアリー』の音楽日記から聴こえてくるのは国府弘子の充実ぶり！　国府弘子が心温まるメロディー・ラインでガンガン押してくる！

　最初に耳が行くのは有名曲４曲のカヴァーであろう。
　国府弘子＋パトリース・ラッシェン＋杏里の純ＰＯＰ。ビートルズの手を離れた国府弘子の考える「ザ・ビートルズ」のホーン隊を引き連れたドライブとピアノ・トリオ，ＥＬ＆Ｐの大噴火カヴァーは上原ひろみのプログレ・パンク・フュージョンに負けない“跳ね具合”にニッコリである。

　その後，このニッコリは国府弘子のオリジナル５曲に完全移行する。オリジナルのメロディー・ラインがとにかく最高。
　【ゴーイング・ゴーイング・オン】での“ＣＯＯＬ”な「国府弘子は決める時は決める」カッコ良さ。心がかき乱された後に落ち着く，一晩中聴いていたい【サンセット・ビーチ】の哀愁バラード。ドラマティックなフルートを“プッシュ”するラテン・ピアノの【アイ・ドゥ・ホワット・アイ・ウォント】。キース・ジャレット『ケルン・コンサート』ばりの【アプレ・ラムール（ミッシング・ユー）】の甘くロマンティックなソロ・ピアノ。【シティ・オブ・エンジェルス】での“せつない系”スムーズ・ジャズ。

　『ダイアリー』を実際に手に取るまでは，どうやらロサンゼルス，なにやらアメリカの香りいっぱいなアルバムだろうと予想した。
　しかし，本当の『ダイアリー』は「日本大好き」国府弘子の『ダイアリー』であった。

　国府弘子がロサンゼルスに行って外から自分を見つめ直した？美メロに毎回心を射抜かれてしまう。何度聴いても感動する。ますます感動が深まっていく。
　特に八尋洋一のベースと村石雅行のドラムとのコンビネーションが完璧すぎてゾクゾクする。

　あ・れ・れ・っ。セラビーってこんなにも国府弘子が好きだったっけ？　もはや国府弘子なしでは生きていけない感じ？
　セラビーは『ダイアリー』以降の国府弘子を一人のクラスメートではなく一人の女性としてハッキリ意識するようになりました。←　なんでやねん。

　　01. GOING, GOING ON
　　02. REMIND ME
　　03. DRIVE MY CAR
　　04. LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS
　　05. TARKUS:ERUPTION〜STONES OF YEARS
　　06. SUNSET BEACH
　　07. I DO WHAT I WANT
　　08. APRES L'AMOUR
　　09. CITY OF ANGELS

（ビクター／JVC 1998年発売／VICJ-60210）
（ライナーノーツ／国府弘子）

デューク・ピアソン・クインテット ／ ハッシュ！

　デューク・ピアソンの“幻の名盤”というか“幻のレーベル”「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」の１枚が『ＨＵＳＨ！』（以下『ハッシュ！』）。

　デューク・ピアソンの才能に目を留めたのはブルーノートの「総裁」アルフレッド・ライオンだけではなかった。パシフィック・ジャズ出身のフレッド・ノースワーシーなる人物である。
　そんなフレッド・ノースワーシーが設立したのが「ＪＡＺＺ　ＴＩＭＥ」レーベルであり，後の「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」レーベルであるが，すぐに倒産してしまった。倒産の理由はフレッド・ノースワーシーの好みのジャズメンがマニアックすぎたから，と言われている。

　そんな玄人好みの「ＪＡＺＺ　ＴＩＭＥ」が３枚＋「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」が２枚の合計５枚の貴重なレコーディング・メンバーにデューク・ピアソンが含まれている。
　少量生産の完全なるコレクター・アイテムである。レア品なのである。内容が良くても会社がなくなったのだから陽の目を見ない。だから“幻の名盤”なのである。

　さて，こんな書き出しで紹介した『ハッシュ！』＝“幻の名盤”説であるが，管理人は『ハッシュ！』＝“幻の名盤”説にはもう１つの意味があると思っている。
　それはデューク・ピアソンの名盤群の中で『ハッシュ！』だけが，ツイン・トランペットによる「異色の編成」で制作されている事実。

　そう。デューク・ピアソンのファンが『ハッシュ！』について“幻の名盤”と語る時，それは「ＪＡＺＺ　ＬＩＮＥ」だからではなく“管を鳴らす”デューク・ピアソンが手掛けた，唯一のツイン・トランペット編成のことを指すのである。

　『ハッシュ！』のメンバーは，ピアノのデューク・ピアソン，ベースのボブ・クランショウ，ドラムのウォルター・パーキンスによるピアノ・トリオに，トランペットのドナルド・バードとジョニー・コールズ。

　ドナルド・バードとジョニー・コールズのスタイルが近いせいなのか，ツイン・トランペットならではのホーン・アンサンブルが美味い。同じ音域のトランペットの２台のズレが旨い。
　この辺のアレンジメントがデューク・ピアソンの“らしさ”である。『ハッシュ！』の中に充満している，後年のプロデューサー的な秀逸なバランス感覚にアルフレッド・ライオンもフレッド・ノースワーシーも惹かれてしまったのだろう。

　渋い演奏である。それだけではなく温かい演奏である。素朴な旋律のジャズ・ピアノに乗ったツイン・トランペットのライン取りが『ハッシュ！』を，デューク・ピアソン・ファンが選んだ“幻の名盤”へと押し上げた要因である。

　　01. Hush!
　　02. Child's Play
　　03. Angel Eyes
　　04. Smoothie
　　05. Sudel
　　06. Friday's Child
　　07. Out Of This World
　　08. Hush! (alternate take)
　　09. Child's Play (alternate take)
　　10. Sudel (alternate take)
　　11. Groovin' For Nat' (Unissued take)

（ジャズライン／JAZZLINE 1962年発売／MZCB-1183）
（☆ＨＱＣＤ仕様）
（紙ジャケット仕様）
（ライナーノーツ／後藤誠，馬場雅之，原田和典）

矢野 顕子×上原 ひろみ ／ ラーメンな女たち -LIVE IN TOKYO-

　『ＧＥＴ　ＴＯＧＥＴＨＥＲ　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』は「矢野顕子　＆　上原ひろみ」による対等なピアノ・デュオで間違いないが『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』は「矢野顕子　ＷＩＴＨ　上原ひろみ」なピアノ・デュオである。

　『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』は，力関係として矢野顕子が思いっきり前に出ている。上原ひろみは矢野顕子がピアノを弾かない時の「伴奏者」まで勤め上げている。
　そう。『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』の真実とは，上原ひろみから矢野顕子へ捧げたリスペクトなのである。

　これを上原ひろみの視点から語れば，矢野顕子とのピアノ・デュオ作『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』はチック・コリアとのピアノ・デュオ作『ＤＵＥＴ』の再来である。

　『ＤＵＥＴ』での上原ひろみは「チック・コリア大好き」が出まくっていた。上原ひろみがチック・コリアに“しがみついて”２人で３台分の“饒舌な”同じ個性のピアノを聴かせてくれた。
　今回の『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』での上原ひろみも「矢野顕子大好き」が出まくっている。今回のは矢野顕子を自分の“懐に抱え込んで”矢野顕子に上原ひろみっぽいピアノを弾かせている。

　結果『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』では，２人で４台分のピアノの音が記録されている。その上に矢野顕子の“あの”ヴォーカルが乗っかっている。
　「矢野顕子　ＷＩＴＨ　上原ひろみ」の真実とは，上原ひろみが引っ込んだわけでも，矢野顕子が前に出たわけでもない。
　上原ひろみ自身が前に出るために，意図的に矢野顕子を「前に出した」結果なのである。

　事実『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』は全曲，上原ひろみ・アレンジング。本気モードの上原ひろみのアレンジが素晴らしい。
　特に前作『ＧＥＴ　ＴＯＧＥＴＨＥＲ　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』にも収録されていた【ラーメンたべたい】のニュー・バージョンは，面白いでも興味深いでもなく，ただただカッコ良い！　塩・醤油・トンコツ・魚介の全てを食べ尽くした上での創作ラーメンの名店の味がする！？

　ふらっと街を歩いていて，気になったお店に入ったらドンピシャ・ストライクのラーメン食べ歩きの妙！　最初はぶっ飛んだ味がガツンと来て，今まで食べたことのない味だと思っていたのに，食が進むにつれ，なんだか懐かしい味に思えてくる！　最後は「王道」の味へと戻って来る！　「二段仕掛け」のジャズ・ピアノ！

　「二段仕掛け」の先発はいつだって矢野顕子である。矢野顕子が未知の音を探しにロケットで発車するが「二段エンジン」役の上原ひろみがバックで巧みに呼び寄せる。どこまで飛んでもちゃんと綺麗に着地する。矢野顕子流ではなく上原ひろみ印で着地を決めていく。

　“天才”上原ひろみの「無茶振り」に最高の答えを返す“元祖・天才”の矢野顕子。
　矢野顕子と上原ひろみの『ラーメンな女たち』の絆は深い。同じラーメン店に入って，別々のラーメンを注文しようとも絆は深い。
　『ラーメンな女たち　−ＬＩＶＥ　ＩＮ　ＴＯＫＹＯ−』は，そんな画面が見える感じのライブ盤であった。

　管理人も鈴木商店と一風堂のスープを割ったものに一蘭のバリカタ麺をぶっかけてニンニク多めで食べますかっ。智子レストランで！

　　CD
　　01. 東京は夜の7時
　　02. おちゃらかプリンツ (おちゃらかほい〜フットプリンツ)
　　03. 真赤なサンシャイン (Ain't No Sunshine〜真赤な太陽)
　　04. 飛ばしていくよ
　　05. Dreamer
　　06. こいのうた
　　07. ホームタウン・ブギウギ (東京ブギウギ〜New York, New York)
　　08. ラーメンたべたい

　　DVD
　　01. 飛ばしていくよ (ライヴ・クリップ)
　　02. こいのうた (ライヴ・クリップ)

（テラーク／TELARC 2017年発売／UCCO-8011）
★【初回限定盤】　ＳＨＭ−ＣＤ＋ＤＶＤ
★スリーヴ・ケース仕様

デューク・ピアソン ／ テンダー・フィーリンズ

　『ＰＲＯＦＩＬＥ』でのデューク・ピアソンが，クラシカルなジャズ・ピアニストであれば『ＴＥＮＤＥＲ　ＦＥＥＬＩＮ’Ｓ』（以下『テンダー・フィーリンズ』）でのデューク・ピアソンは，モダンなジャズ・ピアニストである。

　『テンダー・フィーリンズ』を聴いているとデューク・ピアソンが「ピアノ・トリオの枠」を飛び越えてしまったように感じてしまう。ピアノ１台なのに“最先端のモダン・ジャズ”を見事に表現できている。
　それくらいに色彩豊かで，ピアノ以外の楽器がプレイしているような錯覚を感じる“豊かな音場”のピアノ・トリオが素晴らしい。

　デューク・ピアソンの名盤群における『テンダー・フィーリンズ』の価値とは，純粋に「ピアノ・トリオ向きのピアニスト」としてのデューク・ピアソンを確認することにある。本当にそう思う。

　しかし『テンダー・フィーリンズ』を聴けば聴くほど，デューク・ピアソンのイメージが“ジャズ・ピアニスト”から離れていく。
　そんな非ピアノ・トリオの個性が，リリカルで小品な『ＰＲＯＦＩＬＥ』と性格を異にする，と語られる所以であろう。

　　きっとデューク・ピアソンには，頭の中にビッグ・バンドの音が聴こえているのだろう。『テンダー・フィーリンズ』の中のデューク・ピアソンは，手元にはピアノ１台しかないはずのに，あたかもビッグ・バンドのピアニストの席に座ったかのように，忠実にピアノを演奏している。

　そして，ここが“ジャズ・ピアニスト”デューク・ピアソンの凄さなのだが，デューク・ピアソンのビッグ・バンドの構成楽器のような１台のピアノを聴いていると（現実にはピアノ以外の音は無音なのだが）デューク・ピアソンだけに聴こえているはずのビッグ・バンド・サウンドが，聴き手にもイメージとして伝わってくるのだった。

　そう。デューク・ピアソンの頭の中だけで流れている音楽が，デューク・ピアソンのピアノのプレイからこぼれ出している。超ハイセンスなデューク・ピアソンなのだから，こぼれ出す音を拾っていくだけで管理人は大満足。
　デューク・ピアソンにとってピアノという楽器は，お菓子作りをする時の「粉ふるい」のようなものだと管理人は思う。

　モード・ジャズやフリー・ジャズのエッセンスがありつつの，適度にブルージーなフィーリングにクラクラきてしまう。
　デューク・ピアソンは１９５９年の時点ですでにここまで考えていたんだ。時代にマッチングしつつも一歩先んじたお洒落なジャズ・ピアノ…。

　その類まれなる「総合力」で，徐々にピアニストというよりも，作曲家，編曲家，そしてプロデューサーとして大活躍することになるのだが，デューク・ピアソンの真の凄さは“豊かな音場”のピアノ・トリオにこそ表われると思っている。

　バラエティに富んだ全７曲の『テンダー・フィーリンズ』の極めて高い完成度。オーソドックスなのに最高にサイケなタイム感。
　『テンダー・フィーリンズ』を聴いた夜は，もう何もする気がなくなりその場から動けなくなってしまう。「骨抜きにされる」とはこのような状態を指すのであろう。

　　01. BLUEBIRD OF HAPPINESS
　　02. I'M A FOOL TO WANT YOU
　　03. I LOVE YOU
　　04. WHEN SUNNY GETS BLUE
　　05. THE GOLDEN STRIKER
　　06. ON GREEN DOLPHIN STREET
　　07. 3 A.M.

（ブルーノート／BLUE NOTE 1959年発売／TOCJ-7027）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，原田和典）

国府 弘子 ／ ピュア・ハート

　国府弘子自らが公言する“初期の代表作”『ＰＵＲＥ　ＨＥＡＲＴ』（以下『ピュア・ハート』）を聴いたのは“最高傑作”『ＰＩＡＮＯ　ＬＥＴＴＥＲ』を聴いた後のことである。

　『ＰＩＡＮＯ　ＬＥＴＴＥＲ』の２大名曲【さくら便り】と【忘れないよ】に，いたく心を打たれて，これは過去作も聴かなければと思い直して，スルーしていた『ピュア・ハート』を購入した。
　だからなのだろう。管理人にとっての『ピュア・ハート』とは，一般的な【スムーズ・ストラッティン】ではなく【ハッピエスト・ユー】のことである。
　【さくら便り】と【忘れないよ】の原型を探していたのだから【ハッピエスト・ユー】にハマッタのも当然の結果である。

　そう。国府弘子というジャズ・ピアニストは，日本人の心の琴線をえぐる曲を書く。しかも陰りがない明るい演奏なのに心に沁みる。
　国府弘子は，身体のどこかに傷を抱えているのかもしれない。パラリンピックのメダリストのような感じをイメージしてしまう。自分の傷など忘れて，ただただジャズ・ピアノに没頭することで，聴く者に勇気を与えてくれる。

　国府弘子のファンだったとしても，誰も国府弘子の苦労話など聞きたいとは思わない。事実『ピュア・ハート』の時点では，まだ本来の国府弘子は出せていない。「元気印」とは「ビタミン」というキーワードで，まだ自分の傷を覆い隠している時期である。

　『ピュア・ハート』のテーマとは「シングル・ガール」への応援歌だそうだ。これって，外で頑張っている国府弘子が，家に帰っては落ち込んでいる，もう１人の国府弘子を励ますための応援歌？
　過去の頑張っていた時の自分の姿に，今の自分が励まされることってしょっちゅうある。『ピュア・ハート』で頑張っていた過去の自分が愛おしく思い，ナニクソ，負けるか，もっと頑張ろう，と思うことがしょっちゅうある。

　最近まで闘病生活を経験していた国府弘子さんへのメッセージ…。
　国府弘子さん，病床で『ピュア・ハート』を聴き直されましたか？　【スムーズ・ストラッティン】のホーン隊のアンサンブルには元気が出ますよね？　【ハッピエスト・ユー】を贈った友人は，今でもきっと幸せな結婚生活を送っておられるのでしょうね？

　管理人の結論。『ピュア・ハート』批評。

　悲しくて泣く。うれしくて泣く。そんなの頑張り具合が『ピュア・ハート』の「ビタミン」な音に出ていると思う。顔で笑って心で泣いている【ハッピエスト・ユー】が，結婚式当日を迎えるまでに乗り越えてきた２人の愛情が音に出ていると思う。

　そ・し・て・『ピュア・ハート』での「独女」している国府弘子さんの黄色・緑色・青色のクレイジー柄のお召し物。巷の評判はよろしくないようですがアメカジ命の管理人は大好きですよっ。

　　01. SMOOTH STRUTTIN'
　　02. LUCK IN THE RAIN
　　03. ANNABELLA
　　04. VITAMINA
　　05. WEEKEND
　　06. CARRY ME WITH THE WIND
　　07. BAREFOOT STEPPIN'
　　08. IT'S COOL
　　09. ONCE AND FOREVER
　　10. MRS. ROBINSON
　　11. HAPPIEST YOU (FOR YOUR WEDDING)

（ビクター／JVC 1992年発売／VICJ-127）
（ライナーノーツ／国府弘子）

デューク・ピアソン ／ プロフィール

　デューク・ピアソンが大好きである。何が好きって，デューク・ピアソンのハイセンスが大好きである。
　作曲家とかアレンジャーとかプロデューサーとか，デューク・ピアソンのハイセンスな活動は幅広いが，デューク・ピアソンの才能をストレートに感じるのは“ジャズ・ピアニスト”としてのデューク・ピアソンが一番である。

　そんな“ジャズ・ピアニスト”としてのデューク・ピアソンのプロフィールがブルーノートからのデビュー盤『ＰＲＯＦＩＬＥ』（以下『プロフィール』）にある。

　ドナルド・バードの歴史的なファンキー・ジャズを先頭に立って作り上げてきたデューク・ピアソンであるが，ソロ・アルバム『プロフィール』のページをめくると“リリカルなピアニスト”としての素顔が見え隠れする。

　そう。“ジャズ・ピアニスト”デューク・ピアソンの魅力とは，見事なバランス感覚というか「音楽」しているフィーリングだと思う。ジャズ・ピアノを聴いている感覚があるし，この演奏好き，という感覚もある。たまらなく満足感がある。

　こんな「好き」の感情を文章で伝えるのは難しい。この全ては管理人の個人的なイメージの優劣に負うところが大きいからだ。
　デューク・ピアソンと前後して活躍した“ジャズ・ピアニスト”たち。例えば，ビル・エヴァンス，マッコイ・タイナー，ハービー・ハンコック，チック・コリア，キース・ジャレットについて語るのは難しくない。
　この５人は５人とも“ジャズ・ピアニスト”としてのデューク・ピアソンを軽〜く凌駕している。しか〜し，前述の５人にデューク・ピアソンのような魅力を感じるかと問われれば，答えは「ＮＯ」である。

　デューク・ピアソンのようにジャズ・ピアノのトーンでピアノを弾ける人は数少ない。甘くストレートでエレガントなのに，ツボを押さえた黒人らしいリズミカルなタッチ。
　デューク・ピアソンの弾くピアノの音が眩しい。ピアノが光輝いている。ピアノの甘さが空間に広がっていく。

　デューク・ピアソンの弾くピアノのトーンとニュアンスは他の何物にも代え難い。ビル・エヴァンスやキース・ジャレットには絶対出せない，意外性がデューク・ピアソンにはあって，時にハッとさせられてしまう。

　自分がビル・エヴァンスやキース・ジャレットに求めていたものは，実はデューク・ピアソンが全部持ち合わせていたと思える瞬間が１曲に１度は襲ってくるのだった。

　『プロフィール』のデューク・ピアソンが，とにかく軽快そのもの。軽く軽く，肩の力が抜けたリリカルな響きがハートを射抜いてくる。デューク・ピアソンが粋だよね〜。いなせだね〜。江戸っ子だよね〜。

　管理人はデューク・ピアソン好きだというジャズ・ファンの耳を全面的に信用しています。

　　01. LIKE SOMEONE IN LOVE
　　02. BLACK COFFEE
　　03. TABOO
　　04. I'M GLAD THERE IS YOU
　　05. GATE CITY BLUES
　　06. TWO MILE RUN
　　07. WITCHCRAFT

（ブルーノート／BLUE NOTE 1959年発売／TOCJ-7065）
（ライナーノーツ／アイラ・ギトラー，原田和典）

国府 弘子 ／ ブリッジ

　管理人にとって国府弘子と来れば，どうしても天野清継との『ＡＺＵＲＥ』であり「天国プロジェクト」での『ＨＥＡＶＥＮ』『ＨＥＡＶＥＮ　ＡＮＤ　ＢＥＹＯＮＤ…』である。この印象が如何せん強烈すぎる。

　まぁ，当時の管理人は「天野清継＆国府弘子の名コンビ」を「パット・メセニー＆ライル・メイズの日本版」だと本気で思っていた。
　だから国府弘子がアメリカでデビューすると聞いて本当にワクワクしたことを覚えている。

　そんな国府弘子にドハマリしていた時期に届けられたアメリカ・デビュー盤の『ＢＲＩＤＧＥ』（以下『ブリッジ』）に，肩透かしを喰わされた。
　う〜む。天野清継から離れた国府弘子がパッとしない。そう言う意味では国府弘子をパット・メセニーから離れたらパットしない？ライル・メイズっぽいという点は当たっている？

　そう。『ブリッジ』での国府弘子は，管理人が恋したハーモニストではなく，フロントに立ってバンド全体をリードするバンド・リーダー。要はアンサンブルで聴かせるピアノ・フュージョン。
　軽快なビートと心温まるメロディー・ラインが，日本とアメリカのピアノ・フュージョン・ファンを，そして国府弘子とリスナーの心と心を結ぶ架け橋＝『ブリッジ』なのだろう。

　国府弘子をアメリカで売り出す“名刺代わり”の『ブリッジ』。国府弘子＝日本のジャズ・ピアニストを印象付けるは【竹田の子守歌】。
　国府弘子とトリオを組むのはベースのエイブ・ラボリエルとドラムのアレックス・アクーニャによる大物アメリカン・リズム隊。日本の心を表現するのは難しいコンビだと思うのだが，これが実に情緒ある奥深い演奏で心を揺さぶってくれる。

　管理人の結論。『ブリッジ』批評。

　『ブリッジ』は国府弘子が一番アメリカに，一番スムーズ・ジャズに寄ったアルバムである。
　基本キャッチーで“売れ線”を狙っているのだが，そこは“やっぱり”国府弘子である。普通では終わらない。国府弘子のファンからすると『ブリッジ』は，国府弘子で一番マニアックなアレンジが施されていて“異色の”アルバムである。

　個人的には『ブリッジ』がヒットしなくてかえって良かった。国府弘子はスムーズ・ジャズのカテゴリーに収まるピアニストではない。そのことをビクターも認識できて良かったと思っている。

　　01. Catalina Island
　　02. Rudy's Dream
　　03. Bridge Over the Toubled Water
　　04. Lullaby of Takeda
　　05. Essence
　　06. Lettin' Go
　　07. Keep Hope Alive
　　08. Baked Potato Man
　　09. Innocence of Spring
　　10. Our Story
　　11. Peranzzetta
　　12. Serenata

（ビクター／JVC 1997年発売／VICJ-60071）

デューク・ジョーダン ／ フライト・トゥ・ジョーダン

　デューク・エリントン，デューク・ジョーダン，デューク・ピアソン。管理人は親しみを込めて，この３人のデュークを“デューク３兄弟”と呼んでいる。
　まっ，いつも友人たちには「何それ〜」と一蹴されておしまいですが…。

　でもね。読者の皆さん。このデューク・エリントン，デューク・ジョーダン，デューク・ピアソンって“３兄弟”と呼ばれるにふさわしいジャズメンなんですよっ。
　３人揃ってジャズ・ピアニスト。３人揃って名コンポーザー。長男がデューク・エリントン，次男がデューク・ジョーダン，三男がデューク・ピアソンなんです。
　特にジャズ・ピアニストなのに，ピアノの印象以上に管楽器のアンサンブルが印象に残る部分が“デューク３兄弟”の血統なんです。

　そんな“デューク３兄弟”の次男坊＝デューク・ジョーダンの“メロディー・メイカー”ぶりが遺憾なく発揮された佳作が『ＦＬＩＧＨＴ　ＴＯ　ＪＯＲＤＡＮ』（以下『フライト・トゥ・ジョーダン』）である。

　『フライト・トゥ・ジョーダン』におけるデューク・ジョーダンのピアノには，朴訥とした翳りのある語り口から発せられるブルージーな歌心と，端正で耽美的で泰然自若としたフレージングにデューク・ジョーダンの控え目な“ジャズメン魂”が込められている。
　
　しかし『フライト・トゥ・ジョーダン』におけるデューク・ジョーダンのピアノは“管を鳴らす”ジャズ・ピアノ。
　決して美メロというわけではないが，ファンキーで記憶に残るメロディ・ラインをピアノでリードし，ディジー・リースのトランペットとスタンリー・タレンタインのテナー・サックスに代弁させている。

　口下手なデューク・ジョーダンが自分で『フライト・トゥ・ジョーダン』を語るよりも，口上なフロントマンに『フライト・トゥ・ジョーダン』に込められた思いの丈を語ってもらう方が何倍も上手くいく。

　管理人の結論。『フライト・トゥ・ジョーダン』批評。

　“管を鳴らすメロディー・メイカー”デューク・ジョーダンの「叙情性」とディジー・リース＆スタンリー・タレンタインの「骨太」の組み合わせが産み落とした，枯れたわびさびのジャズ・ピアノが『フライト・トゥ・ジョーダン』。

　日本人好みのマイナー名盤として『フライト・トゥ・ジョーダン』を外せやしないない。

　　01. FLIGHT TO JORDAN
　　02. STARBRITE
　　03. SQUAWKIN'
　　04. DEACON JOE
　　05. SPLIT QUICK
　　06. SI-JOYA
　　07. DIAMOND STUD
　　08. I SHOULD CARE

（ブルーノート／BLUE NOTE 1959年発売／TOCJ-7038）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，原田和典）

国府 弘子 ／ ライト・アンド・カラー

　国府弘子の弾くピアノは「ジャズか？　フュージョンか？」と問われれば「国府弘子は国府弘子。唯一無二の“国府ワールド”」と答えたい。
　それ位に正統派ジャズ・ピアニストの系譜から外れている。突然変異の如く登場してはガラパゴス化で独自路線の成長を続けている。

　ジャズメンたちとの交流も深いし，ストレート・ア・ヘッドな硬派なジャズを志向していることも分かる。
　しかし，どんなにシリアスな譜面であっても国府弘子がピアノを弾けば，一発でエンターテイーナーしてしまう。普段ジャズなんて聞かない，ジャズって難しいと思っている人に受け入れられてしまうのだから，たちが悪いったりゃありゃしない。

　「国府弘子のブラジル」がテーマの『ＬＩＧＨＴ　ＡＮＤ　ＣＯＬＯＵＲ』（以下『ライト・アンド・カラー』）の参加メンバーが凄い！
　アコースティック・ギターのオスカー・カストロネヴィス，エレクトリック・ギターのポール・ジャクソンＪＲ．，シンセサイザーのドン・グルーシン，エレクトリック・ピアノのジルソン・ペランゼッタ，ベースのジャミル・ジョーンズとエイブ・ラボリエル，ドラムのテオ・リマとアレックス・アクーニャ，サックスとフルートとピッコロのゲイリー・ハービック，パーカッションのポーリーニョ・ダコスタ，ヴァーカルのイヴァン・リンス，トランペットのジェリー・ヘイ　ｅｔｃ
　リオデジャネイロ録音＆ＬＡ録音にしてブラジルを代表するオールスター・セッションである。

　仮に国府弘子が普通のジャズ・ピアニストであったなら，この超豪華メンバーの個性を活かして自分の楽曲を彩付けようとすることだろう。
　しかし『ライト・アンド・カラー』における国府弘子は，ブラジルの大物たちをアーバン・ジャズの「脇役」として参加させている。

　バブル末期の残り香として，本場ブラジルのジャズメンが集結しているのに，南米特有の土臭いがないし，情熱的な感じもしない。
　『ライト・アンド・カラー』の雰囲気としては，ブラジルではなくアメリカど真ん中を感じさせる都会的でＢＧＭ的な「光と色彩に満ちた」“国府ワールド”の王国が広がっている。

　国府弘子の端正かつリラックスした雰囲気のピアノが『ライト・アンド・カラー』の多彩な楽曲を“春色に染め上げていく”。
　とにかく柔らかで暖かな光線が今の季節に心地良い。春のそよ風にも似た爽やかなサウンドが今の季節に心地良い。唯一無二の“国府ワールド”が心地良い。

　　01. MOON ISLAND
　　02. PEPINO BEACH
　　03. PASSARADA
　　04. MY ONLY LOVER
　　05. SAMBA DO CAMARAO
　　06. TIP-TOP FUNK
　　07. THE MOMENT WE SHARE
　　08. BLUE LULLABY
　　09. BOSSA CALANGO
　　10. EL HUMAHUAQUENO
　　11. GONE...

（ビクター／JVC 1991年発売／VICJ-61）
（ライナーノーツ／中原仁）

デューク・エリントン ／ デューク・エリントン＆ジョン・コルトレーン

　『ＤＵＫＥ　ＥＬＬＩＮＧＴＯＮ　＆　ＪＯＨＮ　ＣＯＬＴＲＡＮＥ』（以下『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』）。
　ジャズ史に残る，いいや，音楽史に残る“ジャズ・ジャイアント”の２人が自分の仲間を引き連れての大共演だというのに，なんでこうなるの！

　デューク・エリントンが目の前のジョン・コルトレーンを見ずに，デューク・エリントンが頭の中で思い浮かべる“理想の”ジョン・コルトレーンを見ながら演奏している。
　ジョン・コルトレーンが目の前のデューク・エリントンを見ずに，ジョン・コルトレーンが頭の中で思い浮かべる“理想の”デューク・エリントンを見ながら演奏している。
　そう。『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』の真実とは，同録と言うより別録のアルバムなのである。もっと言えば現実ではなく仮想の録音なのである。

　デューク・エリントンとジョン・コルトレーンが，同じ空間にして“すれ違った”最大要因は“嫌いは好きの反対”である。デューク・エリントンもジョン・コルトレーンも互いを強烈に意識している。緊張感が伝わってくる。
　しかし互いに“腹の探り合い”で終わっている。思ったことを音楽の言葉で会話できていない。相手からのメッセージが聴こえてこないから，否応なしに自分から発信する。相手を意識しすぎるがゆえに本来の自分さえも見失っている。

　ズバリ，デューク・エリントンのピアノにもジョン・コルトレーンのサックスにもいつもの“らしさがない”。
　極論を語れば，２人の共演はプラスではなくマイナス。互いに互いの良さを殺してしまっている。なんでこうなるの！アゲイン！

　管理人は思う。デューク・エリントンもジョン・コルトレーンも，自身の音楽の特徴としてハーモニーにとことんこだわってきたジャズメンである。
　デューク・エリントンは，自分の楽器はピアノではなくオーケストラ，と語るほど，ビッグバンドの構成楽器の音域の違いにプレイヤーの個性まで考慮して「瞬間の響き」にこだわってきた。そんなデューク・エリントンからすると，音の羅列によってある響きを表現させようとするジョン・コルトレーンの試みは粗雑に感じられたことだろう。
　一方のジョン・コルトレーンからしてみると，デューク・エリントンのピアノから発せられる和音の響きや残響は自身の響きを展開する格好の素材であり，音列で埋め尽くしたくてうずうずしていたのではなかろうか？

　“ジャズ・ジャイアント”の２人が２人とも，不完全燃焼のまま『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』セッションが終了したのはなぜだろう？
　管理人はそれこそ「互いへのリスペクト」にあると思う。現実の共演者ではなく仮想の共演者への既成のイメージに固執したまま音を重ね続けた結果である。
　ズバリ，相手の本当の気持ちを汲まず，勝手に歩み寄りすぎた“手探りの音合わせ”の結果である。

　管理人の結論。『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』批評。

　２人が２人とも“片思い中の”ジャズである『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』であるが，これがあのデューク・エリントンなのか？　これがあのジョン・コルトレーンなのか？　を忘れて普通に聴くと，これはこれでいいアルバムである。
　特に【イン・ア・センチメンタル・ムード】なんかは，数ある【イン・ア・センチメンタル・ムード】の中でも上位に喰い込む名演だと思う。

　『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』の音の特徴を語るならば，デューク・エリントンの音というより，ジョン・コルトレーンというより，インパルスの音と表現するのが一番当たっているように思う。
　インパルスのコレクターであれば『デューク・エリントン　＆　ジョン・コルトレーン』の音に納得していただけると思う。

　　01. IN A SENTIMENTAL MOOD
　　02. TAKE THE COLTRANE
　　03. BIG NICK
　　04. STEVIE
　　05. MY LITTLE BROWN BOOK
　　06. ANGELICA
　　07. THE FEELING OF JAZZ

（インパルス／IMPULSE! 1962年発売／UCCU-6044）
（☆ＳＨＭ−ＣＤ仕様）
（ライナーノーツ／原田和典）

櫻井 哲夫 JACOトリビュート・バンド ／ イッツ・ア・ジャコ・タイム！

　『ＩＴ’Ｓ　Ａ　ＪＡＣＯ　ＴＩＭＥ！』（以下『イッツ・ア・ジャコ・タイム！』）を聴いていて，これはジャコ・パストリアスではなく櫻井哲夫の「ＪＡＣＯトリビュート・バンド」の演奏だと何度も確認しなければならなかった。

　そうして自分を言い聞かせないと，本当にジャコ・パストリアスの音源だと思ってしまいそうだったから…。それもジャコ・パストリアスのバンドではなくビッグ・バンドでの演奏のようにそうにも聴こえてしまう。いや〜，参った。櫻井さんには参った。
　管理人の２０１３年最大の衝撃アルバムＮＯ．１が『イッツ・ア・ジャコ・タイム！』だった。何度聴いても櫻井哲夫のベースがジャコ・パストリアスのベースのように聴こえてしまう。「完コピを超えた完コピ」が「本家を超えてしまった」ように思う。

　正直，櫻井哲夫のジャコ・パストリアスへの傾倒ぶりがこれほどまでだったとは…。
　櫻井哲夫は『イッツ・ア・ジャコ・タイム！』を通して「ジャコ・パストリアスが世界一」を啓蒙しようとしたのではないだろうか？　ジャコ・パストリアスの“美味しい部分”を選び抜いてバンド・サウンドにバッチリと仕立て上げてくれている。

　ジャコ・パストリアス，ジャコパス，ジャコと「ベース界の革命児」の名前だけは知れ渡っている。しかし，ジャコパスのベースの，一体何が「革命」なのかは知られてはいない。

　管理の答えは，フレットレス・ベースなのに，あそこまで芯のあるサウンドで聴かせるところ。聴き方によってはウッド・ベースのように聴こえるところ。ベースなのにリード楽器役まで担いメロディーまでも高速で奏でてしまうところ。とにかくベースなのに音楽の主導権を握ってしまうところなのだ…。

　ズバリ『イッツ・ア・ジャコ・タイム！』の真髄とは，櫻井哲夫・監修によるジャコ・パストリアスの“躍動するフレットレス・ベース”であろう。
　「ＪＡＣＯトリビュート・バンド」の施したジャコ・パストリアス曲へのリ・アレンジを細かく聴いていくと，オリジナル通りの展開と，そうではなくメチャメチャ変えている部分との「法則」に気付く。
　概ね変えなかったのはフレットレス・ベースのメロディー・ラインとハーモニー部分。概ね変えたのはフレットレス・ベースのリズム・ラインとテーマ部分。

　ジャコ・パストリアス“印”の絶対に触れてはならない根幹部分は忠実に再現し，そうではない部分はオリジナルのイメージに合わせてシンプルにしたり，大胆にひねってきたり…。
　テンポやリズムも全体的にアゲアゲ方向シフト。“超絶技巧”な櫻井哲夫だからできた実現できた芸当であろう。

　「ＪＡＣＯトリビュート・バンド」のフロントマンは，本多俊之のサックスでも，新澤健一郎のキーボードでも，菰口雄矢のギターでもなく，櫻井哲夫のフレットレス・ベース。
　『イッツ・ア・ジャコ・タイム！』に，櫻井哲夫のベース・ソロが多いという意味ではない。ベースのフレーズが音楽の主導権を握っている。

　だからこその「ＪＡＣＯトリビュート・バンド」。櫻井哲夫にジャコ・パストリアスの「ミュージシャン・シップ」が宿っている。

ＰＳ　「IT'S A JACO TIME!-3」は「HMVオンライン限定」販促用のポストカードです。

　　01. INVITATION
　　02. LIBERTY CITY
　　03. THREE VIEWS OF A SECRET
　　04. (USED TO BE A) CHA CHA
　　05. PALLADIUM
　　06. LAS OLAS
　　07. PORTRAIT OF TRACY
　　08. CONTINUUM
　　09. RIVER PEOPLE
　　10. HAVONA

（キングレコード／KING RECORD 2013年発売／KICJ-658）
（ライナーノーツ／松下佳男）

ジャヴァン ／ ノヴェーナ

　ジャヴァンがどうしてもアルバムにして表現したかった音楽。ジャヴァンがブラジル人にどうしても聴いてもらいたい音楽。それが『ＮＯＶＥＮＡ』（以下『ノヴェーナ』）である。

　「世界で売れてもブラジルで売れなければ意味がない」とでも考えるようになったのだろうか？　『ノヴェーナ』の聴き所は，完全なる土着の小気味良いリズム＝フレヴォ，ショッチ，バイオンであり，カラフルなメロディー・ラインのブラジリアン・ポップ。

　『ノヴェーナ』での試みは面白いとは思うが日本人にはちょっとマニアックすぎるかな？　そう感じてしまうくらいにメロディーが自然発生的で即興的なフィーリングを醸し出している。
　ブラジルのミュージシャンは本当に演奏が上手であって，ナチュラルな色付はそう簡単には真似できないレベル。その分，くっきりとブラジル色が鮮明で，ブラジル人の基本陽気で，時々繊細で，哀愁のサウダージが浮き出ている。
　『ノヴェーナ』を聴くといつでも「音楽王国＝ブラジル」を感じてしまうのだ。

　『ノヴェーナ』でのジャヴァンのヴォーカルがしなやかで柔らかに響く。ブラジルっぽくもあるにはあるが，バックで流れるブラジル色に染まるのではなく，どちらかと言えばジャズっぽい雰囲気。
　つまりは楽曲の中でのヴォーカルの自由度がいつもより高く，スキャットっぽい歌い方に耳がゆく。何と表現しようか迷ったが，ここでは「リッチな歌声」だと記しておこう。

　『ノヴェーナ』を聴いていると（一度も訪れたことのないはずなのに）明確にブラジルの田舎の風景が見えてくる。そこでは子供たちと年配者たちが暮らしている。どうやら大人たちは街にはいないようだ。

　古くからのブラジル音楽をおじいさんが近所の子供たちに教えている。子供って気に入ると飽きるまで繰り返すし，音楽よりサッカーに夢中の子供が半分混じっている。音楽でもサッカーでもブラジルはリズム。そんなリズムに乗りこなせる子供たちがジャヴァンのようなワールド・クラスのミュージシャンへと成長する。

　そうなんだ。これまでジャヴァンがアメリカンＭＰＢを演奏してきたのは，いつか『ノヴェーナ』のようなブラジル向けのアルバムを作るため。
　まずは売れる。それが自分の理想の音楽でなかったとしても売れてしまえばファンもレコード会社もジャヴァンが本当にやりたい音楽を認めてくれるのだ。

　そういう意味で『ノヴェーナ』もいい音楽に違はないが，ジャヴァン・ファンが聴きたいＭＰＢからするとマニアックに行き過ぎたところがあるのかもしれない。
　よく日本人とブラジル人は感性が似ていると言われるけれど，今回の『ノヴェーナ』に関しては，ブラジルの未開の奥地に連れていかれた感覚があって，ついていけなかった。

　ただし，この『ノヴェーナ』こそが，長年ジャヴァンが温めてきた音楽なのである。真にジャヴァンがやりたかった音楽なのである。もはやジャヴァンは昔のフィールドには戻ってこないように思う。

　　01. LIMAO
　　02. NAO RUAS
　　03. ALIAS
　　04. SEM SABER
　　05. MAR A VISTA
　　06. QUERO-QUERO
　　07. RENUNCIACAO
　　08. LOBISOMEM
　　09. SETE COQUEIROS
　　10. AGUA DE LUA
　　11. AVO

（エピック・ソニー／EPIC／SONY 1994年発売／ESCA-6206）
（ライナーノーツ／緒形典子）

櫻井 哲夫 ／ トーキング・ベース

　ベーシストが自分のベース・サウンドを前面に押し出したアルバムとして，ジャコ・パストリアスには『ジャコ・パストリアスの肖像』が，マーカス・ミラーには『ザ・キング・イズ・ゴーン』があるように，櫻井哲夫には『ＴＡＬＫＩＮＧ　ＢＡＳＳ』（以下『トーキング・ベース』）がある。

　“スーパー・ベーシスト”櫻井哲夫がここまでベース・サウンドを前面に押し出したソロ・アルバムはかつてなかった。
　しかも主役はフレットレス・ベースと来た。新曲なしのオール・カヴァー集と来た。差別化はされるが容易に比較もされうる大勝負に，得意の“超絶”チョッパー・ベースを封印してきた。

　ここに管理には櫻井哲夫の“スーパー・ベーシスト”としてのこだわりを感じた。フレッテットでも十二分に勝負できる。“超絶”チョッパーを弾かせたら，ジャコ・パストリアスにもマーカス・ミラーにもガチンコで勝てる自信がある。
　でもそうじゃない。ジャコ・パストリアスとマーカス・ミラーが凄いのはテクニックではない。唯一無二の音楽性なのだ。

　そのことを櫻井哲夫が一番知っているから，ベース・ソロ・アルバムを作るなら，フレットレス・ベースの“歌もの”で，ジャコ・パストリアスもマーカス・ミラーも追い求めた「夢の続き」にチャレンジしたのだ。

　ジャコ・パストリアスもマーカス・ミラーも，本当は櫻井哲夫の『トーキング・ベース』みたいなアルバムを作ってみたかったのだと思う。
　そう。『トーキング・ベース』の真髄とは，ベースを自分のヴォイス代わりに歌わせた「ベースでの弾き語り」であり「ベースでのホーモニー」なのであろう。

　なんてったって櫻井哲夫が凄いのは，フレットレス・ベースをメロディーの中心に据えて，物足りない重低音はシンセ・ベースで補うことさえしている。普通のベーシストなら考えつかない荒業である。
　櫻井哲夫は『トーキング・ベース』でバック・サウンドを緻密にアレンジしている。その上でフレットレス・ベースを即興的に被せている。

　フレットレス・ベースによるジャコ・パストリアスのソロ・パフォーマンスは“伝説”と化している。マーカス・ミラーの完璧なバック・サウンドの上を即興で吹き上げるマイルス・デイビスの『ＴＵＴＵ』も“伝説”と化している。
　そんな「ベース界のレジェンド」２人が手がけてきた「夢の続き」を櫻井哲夫が引き受けている。受け継いだのは手法ではなく“スピリッツ”。誰も作り上げたことのないベース・サウンドなのである。

　世界ＴＯＰのプロデューサーでもあるマーカス・ミラーがベース・ソロの難しさをトクトクと語っていた記憶がある。マーカス・ミラーの趣旨は「ベースをフィーチャーさせると，音楽の完成度を損なう危険をはらむ」ということだったと記憶する。
　この言葉を借りるなら，ついに櫻井哲夫もトータル・ミュージシャンとしてチャレンジできるところまで来たということだろう。そして『トーキング・ベース』の見事な完成度が“アーティスト”櫻井哲夫の成長を証ししている。

　その意味で『トーキング・ベース』の聴き所は，これ以上フレットレス・ベースを歌わせるとバランスが崩れる，その一歩手前でベースらしさを聴かせる瞬間である。

　フレットレス・ベースはやっぱりベースであり，低音担当のアンサンブル楽器でありタイム・キーパーなのである。そんな「屋台骨」のベースが，リズムをリードしつつ大いに歌っているのだ。最高に素晴らしい。

　しかもこの音色に，この歌声に癒される。管理には櫻井哲夫のフレットレス・ベースの音色が世界一美しいと信じている。あの柔らかい音色＆温かな音色が“艶のある声で”鳴っている。優しく語りかけるようなフレットレス・ベースが余裕を残して鳴っている。

　ベース一本に人生をかけてきた“スーパー・ベーシスト”櫻井哲夫の“最高傑作”として管理人は『トーキング・ベース』を指名する。

　　01. The Long And Winding Road
　　02. Donna Lee
　　03. Butterfly
　　04. Sunflower
　　05. I Wish
　　06. I Can't Help It
　　07. Sailing Alone
　　08. Alisa
　　09. Stardust
　　10. 見上げてごらん夜の星を

（キングレコード／KING RECORD 2012年発売／KICJ-641）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ジャヴァン ／ コイザ・ヂ・アセンデール

　管理人がジャヴァンを聴くようになったのは，それこそカシオペアの『ＰＬＡＴＩＮＵＭ』収録【ＭＥ　ＥＳＰＥＲＥ】だったから１９８７年頃のことである。
　当時は全くジャヴァンのことなど知らなかったが，カシオペアとの共演を通じてジャヴァンというＭＰＢにハマッテいた時代が懐かしい。『ＳＡＭＵＲＡＩ】は永遠の名曲だと思っている。

　しかし，次第に耳が遠のいてジャヴァンに対する“マイ・ブーム”が落ち着いた頃に出会った『ＣＯＩＳＡ　ＤＥ　ＡＣＥＮＤＥＲ』（以下『コイザ・ヂ・アセンデール』）で，管理人の中の“ジャヴァン・ブーム”が再燃した。

　管理人がジャヴァンに追い求めて，結局は見つからず仕舞いであった【ＭＥ　ＥＳＰＥＲＥ】のジャヴァンが『コイザ・ヂ・アセンデール』の中にいたのである。

　『コイザ・ヂ・アセンデール』は，ＭＰＢでもアメリカン・ポップスでもない，アコースティックとエレクトリック・サウンドがジャヴァンのヴォーカルとギターを基軸として，シンプルな音数が，本当に必要な場所だけで鳴っている。
　世界的な大ヒットを放っていた時のゴージャス感が希薄になり，洗練され，落ち着いたサウンドに変化していて，これぞ管理人が追い求めるジャヴァンの“理想郷”とついに巡り会ったような感じがしていた。

　浮遊感のあるメロディー・ラインを，どことなく憂いや翳りのある“飾り気のない歌声”が音楽している。【ＭＥ　ＥＳＰＥＲＥ】で強く感じた“生命力”が漲っている。
　ジャヴァン本人がライナーノーツで語っているが，もう“売れ線”はやらないのだ。アメリカンナイズドされたＭＰＢはやめたのだ。ワールド・ミュージックではなく“ブラジリアン”としてのジャヴァンのアイデンティティが聞こえてくる。

　今回，本当に久しぶりに『コイザ・ヂ・アセンデール』批評のために聴き直してみた。懐かしさと共に，今まで意識することのなかったナベサダとかリチャード・ボナの音世界を想起した。
　そう。ジャヴァンの方がナベサダやリチャード・ボナよりも早かったのだ。この事実に驚くと共にジャヴァンの再評価を強く希望する。

　個人的にジャヴァンには，ミルトン・ナシメント級，イヴァン・リンス級の活躍を期待していたのだが，ナベサダ繋がりで行くとジャヴァンにはトッキーニョの後継者へと登り詰めてほしいと思う。

ＰＳ　そう言えばカシオペアと渡辺貞夫も『ＰＨＯＴＯＧＲＡＰＨＳ』で繋がっていましたねっ。

　　01. A Rota do Individuo (FERRUGEM)
　　02. BOA NOITE
　　03. SE…
　　04. LINHA DO EQUADOR
　　05. VIOLEIROS
　　06. ANDALUZ
　　07. OUTONO
　　08. ALIVIO
　　09. BAILE

（エピック・ソニー／EPIC／SONY 1992年発売／ESCA-5646）
（ライナーノーツ／中原仁）

チック・コリア，小曽根 真，大西 順子，山中 千尋，ハクエイ・キム ／ PIANIST〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス

　『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ＷＡＬＴＺ　ＦＯＲ　ＢＩＬＬ　ＥＶＡＮＳ』（以下『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』）は，ジャズ・ピアノの金字塔であるビル・エヴァンスの『ＷＡＬＴＺ　ＦＯＲ　ＤＥＢＢＹ』５０周年を記念したオムニバス・アルバム。
　『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』を，そんじょそこらのオムニバスと思うなかれ！　参加メンバーがとにかく凄い！　　

　世界的に活躍するユニバーサル・ジャズ所属の５名のピアニスト，チック・コリア，小曽根真，大西順子，山中千尋，ハクエイ・キムのビッグネームが，１人２曲ずつ新録音なり未発表音源なりを持ち寄ってきた（既発トラックはチック・コリアが上原ひろみと共演した１曲のみ！　ユニバーサル・ジャズはどうしてもこのラインナップに上原ひろみを入れたかった！？）。

　超豪華メンバーの一員なのに，ドリーム・チームの５人が５人とも，他の共演者の出方など気にも留めない“ビル・エヴァンスの世界観”が最高すぎる。
　やっつけではない「１曲入魂」の大熱演。みんながみんな，自分にとってのビル・エヴァンスの愛想曲を愛情を込めて，慈しみを持って奏でている。

　全１０曲の１曲１曲全てがハイライト！　“最大の目玉”であろう，チック・コリア／エディ・ゴメス／ポール・モチアンによる【ＷＡＬＴＺ　ＦＯＲ　ＤＥＢＢＹ】は『ファーザー・エクスプロレイションズ〜ビル・エヴァンスに捧ぐ』未収録音源。なんのことはない。没テイクなどではない。『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』のための取り分けていたとしか思えない『ファーザー・エクスプロレイションズ〜ビル・エヴァンスに捧ぐ』の中で最高の演奏である。

　小曽根真のこんなにも繊細なソロ・ピアノは久々である。一方，同じソロ・ピアノでも山中千尋の奏でるビル・エヴァンスはスインギー。両者の「静と動」の対比が非常に興味深い。
　今回の５人のメンバーの中では大西順子の強烈なタッチが一番ビル・エヴァンスらしく聴こえたのが意外や意外…。

　そしてハクエイ・キムである。実は管理人。ハクエイ・キムというピアニストを『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』で初めて聴いた。
　一人「格落ち」のような気がして心配していたハクエイ・キムだったが「心配無用」のハイ・クオリティ。ピアノ・トリオの白熱のインタープレイと疾走感は間違いなく“エヴァンス派”でした。

　管理人の結論。『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』批評。

　『ＰＩＡＮＩＳＴ〜ワルツ・フォー・ビル・エヴァンス』とはチック・コリアのアルバムである。あるいは小曽根真のアルバムである。この２人の“天才”がやはり頭一つ飛び抜けていると思う。ジャズ・マニア必聴の４トラックが輝いている。

　しかし「勝負に勝って試合に負けた」のが大西順子である。ビル・エヴァンス・トリビュートの真の勝者は大西順子だと思う。

　それにしてもユニバーサル・ジャズさん（現在は契約切れのようですが）なんで木住野佳子さんを呼ばなかったのですか？

　　01. HOW MY HEART SINGS
　　02. WALTZ FOR DEBBY
　　03. ISRAEL
　　04. HERE'S THAT RAINY DAY
　　05. NEVER LET ME GO
　　06. NARDIS
　　07. VERY EARLY
　　08. YOU AND THE NIGHT AND THE MUSIC
　　09. WHAT IS THIS THING CALLED LOVE？
　　10. I SHOULD CARE

（ユニバーサル・ジャズ／UNIVERSAL JAZZ 2011年発売／UCCJ-2087）
（ライナーノーツ／原田和典）

櫻井 哲夫 featuring グレッグ・ハウ＆デニス・チェンバース ／ ヴァイタル・ワールド

　『２１世紀の扉』〜『ジェントル・ハーツ』〜『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』〜「ＴＥＴＳＵＪＩＮＯ」名義の『ダブル・トラブル』で積み上げてきた櫻井哲夫とデニス・チェンバースとのコラボレーション『ＶＩＴＡＬ　ＷＯＲＬＤ』（以下『ヴァイタル・ワールド』）で極まりけり〜！

　『ヴァイタル・ワールド』で，これまで“紳士”を貫いていた櫻井哲夫が野生の本能を解放し“猛獣使い”へと変身した。『ヴァイタル・ワールド』のサバイバル・チックなジャケット写真そのまんまのテクニカルでハードで「楽器弾きまくり」のセッション大会。

　全曲，櫻井哲夫が作曲した“モチーフ”をデニス・チェンバースがドラムで，グレッグ・ハウがギターで，縦横無尽の発想で色付けしていく。
　櫻井哲夫＋デニス・チェンバース＋グレッグ・ハウ組も，スタジオ盤の『ジェントル・ハーツ』とライブ盤の『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』で長いセッションを重ねた賜物であろう。『ヴァイタル・ワールド』では過去２作では感じなかった，奥深い音楽表現が鑑みれる域にまで到達している。これは凄いアルバムである。

　櫻井哲夫のベースが抜群であって，明確なベース・ラインで“野獣のドラム”をコントロールしてみせる。爆裂なのである。
　『ジェントル・ハーツ』『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』では，グレッグ・ハウに主役を譲っていた櫻井哲夫が，グレッグ・ハウを押しのけてメロディーラインを演奏している。

　こんな櫻井哲夫に，デニス・チェンバースとグレッグ・ハウが本気を出さないはずがない！　速度計のＭＡＸを振り切れている！　超高速なのに安定する，何てないベース・ラインに，櫻井哲夫の本物が鳴っている！

　最高にキレイ目で洗練された「制御された」ベース・ラインなのに「制御不能な」演奏エネルギーで満ちている。自分の中のボルテージを上げている。
　そう。櫻井哲夫がベースに，デニス・チェンバースがドラムに，グレッグ・ハウがギターに“思いの丈”をぶつけている！

　『ヴァイタル・ワールド』を聴いていると，その昔，ジミ・ヘンドリックスがギターに火をつけて燃やしている映像が自然と脳裏に浮かんできた。
　そう。『ヴァイタル・ワールド』における櫻井哲夫のテーマは「完全燃焼」。自らの体内にたまっている爆発寸前のマグマを，ジミ・ヘンドリックスのように一気呵成に放出している。

　櫻井哲夫のパワーと感受性の強さを体感するなら『ヴァイタル・ワールド』が一番である。とにかく凄い演奏力である。

　　01. Critical Planet
　　02. Alien's Feast
　　03. A Tear Of The Clown
　　04. Are You Ready
　　05. Another Kingdom
　　06. Triangle Square
　　07. Monster Parade
　　08. Father

（エレクトリック・バード／ELECTRIC BIRD 2010年発売／KICJ-598）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ ブラックジャック

　無類のトランプ好き？なドナルド・バード。『ＲＯＹＡＬ　ＦＬＵＳＨ』での切り札がハービー・ハンコックなら『ＢＬＡＣＫＪＡＣＫ』（以下『ブラックジャック』）での切り札はソニー・レッドである。

　ソニー・レッド主導による，アーシーなジャズ・ファンクがドス黒い。基本ハード・バップにして，ヘヴィーなビートと各自のソロ回しがメチャメチャ渋い，ブルーノート好きには堪らないアルバムである。

　フロントはトランペットのドナルド・バード，テナー・サックスのハンク・モブレー，アルト・サックスのソニー・レッドによる３管。
　元来，ドナルド・バードにしてもハンク・モブレーにしても，ジャズの最前列で活躍するというよりも，２列目で活躍の場を与えられたならこの上ない働きをするタイプのジャズメンであろう。
　ゆえに，この３管の組み合わせはアンサンブルというよりも，互いに熱く燃え上がる３管であって，各人のハイテンションな演奏の方が印象に残る。

　このエキサイティングな３管を全て包み込み，受け流し，際立たせるのが「いぶし銀」のシダー・ウォルトン。シダー・ウォルトンの抑揚の利いたピアノが，フリーキーでファナーキーなソニー・レッドのブルースに優しくハミングしている。いい。

　『ブラックジャック』には，混沌とした時代を見据えながらも，絶対に変えられないドナルド・バードの“ジャズメン魂”が記録されている。
　時代の流行に合わせた，変わり身の早さもドナルド・バードの持ち味である。必要とあればサイドでも全力でこなすのがドナルド・バードなのである。

　しかし，その一方で，自分のポリシーを曲げてまで時代に迎合しない“頑なさ”がドナルド・バードにはある。
　そう。『ブラックジャック』の真実とは，ソニー・レッドという「金の卵」を見つけて，やり残したハード・バップ＆ファンキーのリバイバル。

　この時代に黒々としたジャズ・ファンクをやったドナルド・バードの眼力を称賛したい。恐らく，ソニー・レッドと出会わなければ『ブラックジャック』はやらなかったと思っている。

　いつの時代でも本物は本物。ソニー・レッドの“最高傑作”ソニー・レッドのリーダー・アルバムではなく『ブラックジャック』なのである。

　　01. BLACKJACK
　　02. WEST OF THE PECOS
　　03. LOKI
　　04. ELDORADO
　　05. BEALE STREET
　　06. PENTATONIC

（ブルーノート／BLUE NOTE 1967年発売／TOCJ-4259）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，原田和典，佐藤太郎）

櫻井 哲夫 ／ マイ・ディア・ミュージックライフ

　『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』で「デビュー２０周年記念」を飾った櫻井哲夫の「デビュー３０周年記念」盤が『ＭＹ　ＤＥＡＲ　ＭＵＳＩＣＬＩＦＥ』（以下『マイ・ディア・ミュージックライフ』）。

　『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』が，真に総決算的なライブ盤であったから，今回の「デビュー３０周年記念」盤も，直近の１０周年を総括する内容かと思いきや『マイ・ディア・ミュージックライフ』はそうではない。
　そう。１０周年とか２０周年とか３０周年ではなく，実際にはデビュー以前の１０年間をも加えた「ＴＨＥ櫻井哲夫」の４０周年を総括してみせている。

　“超絶”チョッパー・ベースものもあれば“歌もの”もあるし，カシオペアとジャコ・パストリアスのカヴァーもある。“超絶”チョッパー・ベースのド真ん中であり，Ｊ−フュージョンのど真ん中！
　櫻井哲夫の『ミュージックライフ』は真に「やりたい放題」。櫻井哲夫はこうでなくっちゃ！

　櫻井哲夫がソロとなって一番変化したことは，自分の好きな共演者の特徴を“聴かせる”ことで，自分自身の音楽を“聴かせる”ことであろう。要は共演者を「取り込んでしまう」ベーシストへと成長したのだ。
　『マイ・ディア・ミュージックライフ』でも，サックスの本田雅人と勝田一樹，キーボードのボブ・ジェームスと小野塚晃，ギターの野呂一生と菰口雄矢と岡崎倫典，ドラムの則竹裕之とジーン・ジャクソン，パーカッションのカルロス菅野の個性的な音を櫻井哲夫の体内へと「取り込んで」いる。

　例えば“目玉”である【ＤＯＭＩＮＯ　ＬＩＮＥ】のハイライトは“ドミノ倒し”の新アレンジが最高でして，櫻井哲夫のベース・ソロを確保しつつも，雰囲気としては青木智仁と組んでいた当時の初期ＤＩＭＥＮＳＩＯＮによる【ＤＯＭＩＮＯ　ＬＩＮＥ】へと見事に仕上がっている。櫻井哲夫がバックを見事に廻しながらの余裕ある“超絶”にウォー！

　櫻井哲夫のアイドルであるジャコ・パストリアスの【ＴＥＥＮ　ＴＯＷＮ】と【ＫＵＲＵ】であるが，聴いた感じのファースト・インプレッションはマーカス・ミラーによるジャコ・パストリアスのカヴァーに似ていると思った。
　つまり変に櫻井哲夫色に塗り変えるのではなく，ジャコ・パストリアスがやろうとしたことを理解した上でのカヴァーを目指している。ジャコ・パストリアスのＧＲＯＯＶＥを完コピしている。素晴らしい。

　そ〜して迎える【リンゴ追分】での６弦チョッパーによるファンク・ベースの大嵐！　岡崎倫典のギターが「津軽三味線」のようにかき鳴らされる前面でのファンク・ベースがとんでもなくはまっていて超カッコイイ！　美空ひばりがベースでジャズを熱唱するとこうなるのだろう。“歌もの”の櫻井哲夫が最高に素晴らしい。

　『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』から『マイ・ディア・ミュージックライフ』の１０年間は『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』プロジェクトとブラジル・プロジュクトの２つに注力した１０年間であったと思うが，意外にも『マイ・ディア・ミュージックライフ』には，この２つのプロジェクトの跡形など聴こえない。

　『マイ・ディア・ミュージックライフ』から聴こえてくるのは「少年時代」に愛してやまなかった櫻井哲夫の『ミュージックライフ』。
　世界最高峰のベース・テクニックを持ち，総合音楽家として出来上がった櫻井哲夫が奏でるベース・サウンドは，櫻井哲夫の「少年時代」に“頭の中で鳴っていた音楽”の具現化なのだと思う。

　桜ちゃん，おめでとうございます！

　　01. REGENERATE
　　02. TEEN TOWN
　　03. BRIGHT MOMENTS
　　04. MELODIA
　　05. I WISH U FUNK
　　06. DOMINO LINE
　　07. MIRAGE
　　08. RINGO OIWAKE
　　09. KURU
　　10. AFTER THE LIFE HAS GONE

（エレクトリック・バード／ELECTRIC BIRD 2009年発売／KICJ-566）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ ア・ニュー・パースペクティヴ

　『Ａ　ＮＥＷ　ＰＥＲＳＰＥＣＴＩＶＥ』（以下『ア・ニュー・パースペクティヴ』）は，ドナルド・バード名義のアルバムにしてドナルド・バードのソロ・アルバムではない。

　事実『ア・ニュー・パースペクティヴ』のアーティスト名義は「ＤＯＮＡＬＤ　ＢＹＲＤ　ＢＡＮＤ　＆　ＶＯＩＣＥＳ」。
　そう。ドナルド・バードの手を離れた部分で語られるべき，ゴスペル聖歌隊による“スピリチュアル”な黒人音楽の最高峰に位置するとんでもないアルバムである。

　何はともあれ『ア・ニュー・パースペクティヴ』が，黒人の精神的支柱であったマーティン・ルーサー・キング牧師の葬儀のＢＧＭに使用された，というインパクトがとてつもなく大きい。
　ズバリ『ア・ニュー・パースペクティヴ』の真実とは，ジャズの手法を用いた「黒人霊歌集」である。公民権運動の盛り上がりを背景にした「現代の讃美歌集」なのである。

　『ア・ニュー・パースペクティヴ』のキーマンは，デューク・ピアソンでありハービー・ハンコックであり，ドナルド・バードではない。
　荘厳なコーラスと各楽器のアンサンブルの美しさは「教会音楽のソウル」とも呼ばれるデューク・ピアソンのものであり「新世代ブラック・ファンク」のハービー・ハンコックの独壇場であろう。
　デューク・ピアソンが構築する自由度の高いエモーションなアンサンブルとハービー・ハンコックの独特なリズムのバッキングがモダン・ジャズの枠を越えている｡

　『ア・ニュー・パースペクティヴ』のキーワードは「ＶＯＩＣＥＳ　＆　ＪＡＺＺ」。“ゴスペルを聴かせるためのエッセンス”としてのジャズが演奏されている。
　男女混成コーラスは何処か猥雑な感じが見え隠れする。昔のキャバレー臭さと言うか変なゴージャスさが出てくる。デューク・ピアソンのアプローチを現代風に表現すると「ラウンジ」なのである。

　『ア・ニュー・パースペクティヴ』は“音楽監督”デューク・ピアソンと“三大ピアニスト”ハービー・ハンコックがそろい踏みした，黒人音楽“最高傑作”の「ＶＯＩＣＥＳ　＆　ＪＡＺＺ」。
　すなわち黒人音楽“最高傑作”の「ラウンジ」なのである。

　『ア・ニュー・パースペクティヴ』を注意深く聴いていると，ハンク・モブレーのテナー・サックス，ケニー・バレルのギター，ドナルド・ベストのヴァイヴ，ハービー・ハンコックのピアノ，ベースのブッチ・ウォーレン，ドラムのレックス・ハンフリーズが，ドナルド・バードのトランペットに合わせるではなくゴスペル聖歌隊による“スピリチュアル”なヴォイスに音を重ねている。

　いつの時代も音楽の中心には「声」があった。“秀才”デューク・ピアソンと“天才”ハービー・ハンコックの考える「声」＝ホーン・セクションが『ア・ニュー・パースペクティヴ』なのである。

　『ア・ニュー・パースペクティヴ』のリリースまでブルーノートにはヴォーカリストがいなかった。しかしそれまで多数のホーン奏者がヴォーカリスト代わりを務めていたのである。
　ついに到来した肉声という楽器のストレートな時代が『ア・ニュー・パースペクティヴ』で幕を開けた！　ハービー・ハンコックの才能が爆発するヴォコーダーの原点が『ア・ニュー・パースペクティヴ』にある！

　　01. ELIJAH
　　02. BEAST OF BURDEN
　　03. CRISTO REDENTOR
　　04. THE BLACK DISCIPLE
　　05. CHANT

（ブルーノート／BLUE NOTE 1964年発売／TOCJ-6647）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，佐藤英輔）

櫻井 哲夫 ／ ブラジル・コネクション VOL.2

　『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』の続編である『ＢＲＡＳＩＬ　ＣＯＮＮＥＣＴＩＯＮ　ＶＯＬ．２』（以下『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』）のハイライトはライブ後半戦の大盛り上がり。

　『ＶＯＬ．１』と『ＶＯＬ．２』の性格の違いはこうである。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』でのリスナーは会場の椅子に腰掛てしっかりと音楽を聴くライブ盤。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』でのリスナーは総立ちでビートに合わせて踊っているライブ盤。

　櫻井哲夫のチョッパー・ベースが音楽の前面に出ているわけではない。いつものテクニカル・フュージョンなベースでもない。
　それなのにライブが進行するにつれ，ブラジリアン・フュージョン独特の緩やかで心地良くグルーヴするベースのウネリが『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』の聴き所。

　櫻井哲夫のベース，フィロー・マシャードのヴォーカルとギター，セルジオ・マシャードのドラム，小野塚晃のキーボードが，真に一体となってリズムの渦を巻き起こしていく。
　そう。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』には，ライブ当日のステージ上で，４人の意識がバッチリ・ハマッテ登り詰めてゆく過程のドキュメントの記録なのである。

　メンバー４人のコンビネーションが非常に良く，フィーチャリング・櫻井哲夫でも，フィーチャリング・フィロー・マシャードでもない，一つのバンドと称してもよいまとまりと密度の濃さを感じる。
　櫻井哲夫のベースが他を吸収したのか？　それともベースが他に吸収されたのか？　バランスの良いチョッパー・ベースが見事にブラジリアン・フュージョンに溶け込んでいる。
　
　これぞ櫻井哲夫の“ブラジル愛”の賜物である。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』のメロディアスでネイティブなリズムに，郷愁というか哀愁というか“サウダージ”が胸にキュンとくる。

　櫻井哲夫のライブ盤『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』を聴いていると，ジャズでもなくフュージョンでもなく，この世の音楽はＭＰＢだけで十分のように感じてしまう。
　櫻井哲夫が“生涯のライフワーク”として「ブラジル」を公言する気持ちがうらやましい。

　管理人も（現時点で自分の将来を予想すると）順調であれば，最後の最後はセロニアス・モンクに行き着くはずだが，もしかしたらブラジールかも！？

　　01. PASTEL SEA
　　02. PERFUME DE CEBOLA
　　03. ALISA
　　04. JOGRAL
　　05. COM A PAZ NO CORACAO
　　06. BOCA DE LEAO
　　07. RED ZONE

（サウンドバイブレーション／SAKURAVIBE 2006年発売／XQAZ-1002）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ ロイヤル・フラッシュ

　『ＲＯＹＡＬ　ＦＬＵＳＨ』（以下『ロイヤル・フラッシュ』）のジャケット写真で“ほくそ笑む”ドナルド・バードが引き当てた最後のカードはピアニストのハービー・ハンコック。

　前任者のデューク・ピアソンは“秀才”であった。デューク・ピアソンのハイセンスこそがドナルド・バードの黄金ハード・バップを作り上げた原動力。
　な・の・に・ハービー・ハンコックが１人加入しただけで，ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスのクインテットの演奏がまるで違う。

　ハービー・ハンコックがピアノでバッキングを付けるだけで，サウンドが一気に理知的でモードがかっていく。ハービー・ハンコックの和声の使い方，間合い，ハーモニックセンスはものが違う。
　ドナルド・バードが『ロイヤル・フラッシュ』を完成させるための最後の１枚が“天才”ハービー・ハンコックだったのだ。

　ハービー・ハンコックの上品で黒いピアノ・タッチが繊細に響く。ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスのバックでモダンなハーモニーを加えるハービー・ハンコックのモードなピアノが『ロイヤル・フラッシュ』に対する全体の印象を決定付けている。

　例えば【ＪＯＲＦＩＥ’Ｓ】のイントロでミステリアスなテイストを醸し出すジャズ・ピアノには，後年，マイルス・デイビスのグループで発揮するミステリアスな響きの萌芽がすでに認められる。
　この細やかながらピリッと演奏を締める小技を効かせることが出来るハービー・ハンコックのハーモニックセンスこそが，ファンキー・テイストからの脱却を考えていたドナルド・バード＆ペッパー・アダムスが求めていた新しい感覚なのだろう。

　ただし，個人的に『ロイヤル・フラッシュ』は，ドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜デューク・ピアソン・ラインの名盤群よりも落ちる。

　理由としてはハービー・ハンコックは，すでに「新主流派」的な響きを奏でているのだが，そのハービー・ハンコックのピアノに乗るトランぺッターはフレディ・ハバードだと「すり込まれて」しまっている。

　元を正せばドナルド・バードもフレディ・ハバードも「ポスト・クリフォード・ブラウン」と騒がれたトランぺッター。
　系統としては似ているのだろうが，どうにもフレディ・ハバードの“超絶”と比較するとドナルド・バードは分が悪い。だからハービー・ハンコックのピアノに乗ったドナルド・バードは分が悪い。

　ハービー・ハンコックの目線で語ろうにも『ロイヤル・フラッシュ』は，ハービー・ハンコックのブルーノートの初レコーディング。これからザックザクと名盤が誕生するわけでして…。

　管理人の結論。『ロイヤル・フラッシュ』批評。

　『ロイヤル・フラッシュ』は「驚異の新人」「早熟の天才」としてのハービー・ハンコックに驚愕するためのアルバムである。

　いいや，驚くのはまだ早い。ドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜ハービー・ハンコック・ラインにデューク・ピアソンがコンポーザー兼アレンジャーとして復帰した『Ａ　ＮＥＷ　ＰＥＲＳＰＥＣＴＩＶＥ』で「腰を抜かすための」予習作なのである。

　　01. HUSH
　　02. I'M A FOOL TO WANT YOU
　　03. JORGIE'S
　　04. SHANGRI-LA
　　05. 6 M'S
　　06. REQUIEM

（ブルーノート／BLUE NOTE 1961年発売／TOCJ-4101）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，上田篤，ボブ・ベルデン）

櫻井 哲夫 ／ ブラジル・コネクション VOL.1

　櫻井哲夫にはいいブレーンがいないようだ。企画が練られていないようだ。

　『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』の後に『ＣＡＲＴＡＳ　ＤＯ　ＢＲＡＳＩＬ』。『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』の後に『ＢＲＡＳＩＬ　ＣＯＮＮＥＣＴＩＯＮ　ＶＯＬ．１』（以下『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』）と来た。またかよ〜。
　しかも『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』の３カ月後に『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』発売と来た。だったら初めから２枚組で発売してよ。値段は５０００円でも買うんだから。中途半端だよ〜。

　事実『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』の主役はフィロー・マシャードのヴォーカルである。櫻井哲夫の存在感は希薄である。悔しいかな，櫻井哲夫は脇役でありサポートなのである。

　セットリストも櫻井哲夫のリーダー・アルバムには不釣り合いなオリジナル曲の少なさだし，楽しみだった櫻井哲夫のベース・プレイも２フィンガーばかり。
　櫻井哲夫はサポート・ベーシストでクレジットされるべき。若しくはナベサダみたいにプロデュースだけに専念するとか…。
　どうせなら『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』は，フィロー・マシャードのソロ名義で発売してほしかった…。

　そう思ったのは『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』発売後『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』発売までの３カ月の感想です。
　真に櫻井哲夫の「ブラジリアン・フュージョン」が爆発するのはライブ後半のお約束。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．２』を聴いてみて『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』に対する印象が変化しました。

　管理人の結論。『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』批評。

　『ブラジル・コネクション　ＶＯＬ．１』は，櫻井哲夫が頭の中でイメージした「ブラジリアン・フュージョン」ではなく，櫻井哲夫がネイティブなブラジル人と同じステージで作り上げた「ブラジリアン・フュージョン」。

　地球の裏側同士の音楽が“混ざりあった”『ＢＲＡＳＩＬ　ＣＯＮＮＥＣＴＩＯＮ』。櫻井哲夫の“ブラジル愛”が結実した名盤である。

　　01. SAUDADE DE VOCE
　　02. UPA NEGUINHO
　　03. A INDIA E O ATIRADOR DE FACAS
　　04. REAL
　　05. NAVEGANDO SOZINHO
　　06. TERRAS DE MINAS
　　07. VESTIDO LONGO

（サウンドバイブレーション／SAKURAVIBE 2006年発売／XQAZ-1001）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ ザ・キャット・ウォーク

　ドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜デューク・ピアソン・ラインによる「リリカル・ファンキー路線」の集大成『ＴＨＥ　ＣＡＴ　ＷＡＬＫ』（以下『ザ・キャット・ウォーク』）が最高である。

　黒いファンキーではない，洗練されたファンキーだと分かっていても，それでもノッテしまうし，ノセられてしまう。ドナルド・バードとデューク・ピアソンの共通する資質が気持ちよく融合し，味わい深さが増している。
　その意味でドナルド・バードを代表するファンキー・ジャズの１枚は『フュエゴ』ではなく『ザ・キャット・ウォーク』の方である。

　そう。知的な雰囲気にノセられてしまう，という「矛盾」を解決してくれるのが，フィリー・ジョー・ジョーンズのドラミング。レックス・ハンフリーズのＰＯＰ感覚なドラミングも，ハード・バップではなくファンキーでもない『フュエゴ』にはよく合っている。
　ただし『ザ・キャット・ウォーク』のレベルにまで，ファンキー・ジャズが洗練されてしまった今，フィリー・ジョー・ジョーンズの“豪快な太鼓の鳴り”にトドメを刺されてしまう。

　実はドナルド・バードを（デューク・ピアソンを）聴き続けていると，本当に素晴らしい曲ばかりだし，曲の質の高さに魅了されてしまって，ジャズとは言えど，音楽の楽しみはメロディーにあると思い込んでしまうのだけど『ザ・キャット・ウォーク』を聴き終わる度に「ジャズの醍醐味はリズムにある」ことを毎回思い知らされる…。

　別に管理人はフィリー・ジョー・ジョーンズの大ファンではないのだけれど『ザ・キャット・ウォーク』におけるフィリー・ジョー・ジョーンズのドラミングだけは大絶賛。
　ドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜デューク・ピアソンの絶品フロントを「つまみ喰い」しながら，曲想の端々を縦横無尽に駆け巡る〜。

　チャーミングな楽曲，耳に心地よいアレンジ，まとまりの良いソロ…。綺麗にまとめ上げられたドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜デューク・ピアソンの専売特許を“豪快な太鼓の鳴り”一発で凌駕するとてつもない原始的なエネルギーの動きを感じ取る。個人の本能的センスが秀才的予定調和の世界を打ち破った瞬間の痛快さで満ちている。

『ザ・キャット・ウォーク』のハイライトは，ファンキー・ジャズ史上稀に見る，デューク・ピアソンとフィリー・ジョー・ジョーンズによる「知性と本能の対比」にある。

　基本大大好きなドナルド・バード〜ペッパー・アダムス〜デューク・ピアソン・ラインだけがアレンジできる楽しさ満点のテーマに魅了された瞬間，スネア一発で土台が揺り動かされるほどの“ダイナミズム”ファンキー。

　ドナルド・バードがミュートを吹けば吹くほど，ペッパー・アダムスがバリトン・サックスらしからぬ，流ちょうなテーマを奏でれば奏でるほど，デューク・ピアソンが鍵盤で８小節に区切って，曲全体をまとめればまとめ上げるほど，フィリー・ジョー・ジョーンズのドラムがまるで躍動する生き物のように呼吸し，囁き，叫んでいるように聴こえてしまう。

　結果，一周回ってドナルド・バードのトランペットに「叙情性」が加えられて聴こえてしまう。（以前ならこう呼ぶのに抵抗があったはずなのに）ドナルド・バードこそがファンキー・ジャズだ，と叫んでしまいたくなる。管理人の愛聴盤の１枚である。

　　01. SAY YOU'RE MINE
　　02. DUKE'S MIXTURE
　　03. EACH TIME I THINK OF YOU
　　04. THE CAT WALK
　　05. CUTE
　　06. HELLO BRIGHT SUNFLOWER

（ブルーノート／BLUE NOTE 1962年発売／TOCJ-7128）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，岡崎正通）

櫻井 哲夫 ／ GENTLE HEARTS TOUR 2004

　『ＣＡＲＴＡＳ　ＤＯ　ＢＲＡＳＩＬ』の次に『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』がリリースされることになった。

　櫻井哲夫の「ブラジル路線」が気に入った後に，イマイチだった『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』のライブ盤を出されても…。しかもフォロー・ツアーとは呼び難い，ＣＤ発売４年後にライブ盤を出されても…。

　だから『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』は，櫻井哲夫ファンとしては初めてとなるスルー。購入したのは翌年となった。
　購入のきっかけは櫻井哲夫ではなくグレッグ・ハウの『ＥＸＴＲＡＣＴＩＯＮ』。『ＥＸＴＲＡＣＴＩＯＮ』とは，ギターのグレッグ・ハウがドラムにデニス・チェンバース，ベースにヴィクター・ウッテンを迎えて制作されたギター・トリオ。

　すなわち『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』は，ベーシストがヴィクター・ウッテンから櫻井哲夫に交代したグレッグ・ハウのギター・トリオと見立てることもできるわけで（実際にグレッグ・ハウの【ＥＸＴＲＡＣＴＩＯＮ】も演奏されているし）『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』１枚で，櫻井哲夫のベース・トリオとグレッグ・ハウのギター・トリオの２枚分を楽しめる！

　聴く前は駄盤と思っていた『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』が素晴らしい。怒涛のテクニカル・パンク・ハードロック・フュージョンの名盤である。
　事実『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』を聴いた後“本家”『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』を何度，引っ張り出して聴き直したことだろう。

　それまではイマイチだった【ＳＡＭＵＲＡＩ　ＦＡＩＴＨ】【ＢＲＡＩＮ　ＳＴＯＲＭ】【ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ】【ＴＨＥ　ＩＮＶＩＳＩＢＬＥ　ＷＡＹ】【ＷＯＮＤＥＲＬＡＮＤ　ＩＮ　ＴＨＥ　ＳＫＹ】が名曲に聴こえる。←　眠りから覚めた今は名うてのセッション・ナンバーだと思っています。

　『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』の主役は『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』でも主役を張ったグレッグ・ハウのギターである。
　早弾きのテクニックはアラン・ホールズワースばりだし，スレーズがアウトする感じはジョン・スコフィールドばり。メタル系なのに明確にジャズ・ギターを意識している。
　『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』セッションのために櫻井哲夫本人が熱望したギタリストだけのことはあると思う。

　グレッグ・ハウの脇を固める櫻井哲夫のチョッパー・ベースがメロディアスに歌う。６弦ベースの高音弦でのパンチングは“ベース・ギター”と呼ばれるにふさわしい。ベースでもありギターでもある。

　デニス・チェンバースの暴走するドラミングは『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』にはなかったライブならではのグルーヴ。
　グレッグ・ハウにジョン・スコフィールドが乗り移った瞬間，デニス・チェンバースの中の“野獣”が顔を出している。

　しか〜し『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』批評を記すにあたり，どうしても書いておかねばならないのは，サポートで入った小野塚晃のキーボードである。
　グレッグ・ハウのギター・ソロは，手癖が多くて？アドリブが少なめな分，小野塚晃のキーボード・ソロがテンションアップのボタンを押している。流石は“超絶技巧集団”ＤＩＭＥＮＳＩＯＮ〜。

　『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』のハイライトは【ＰＡＶＡＮＥ　ＰＯＵＲ　ＵＮＥ　ＩＮＦＡＮＴＥ　ＤＥＦＵＮＴＥ】と【ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ】のバラード２曲。
　小野塚晃のバッキングが“歌もの”櫻井哲夫の奥深い演奏に色彩を添えている。

　小野塚晃が仕掛けで加わった『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』は『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』とは別物なのである。

　　01. SAMURAI FAITH
　　02. THE INVISIBLE WAY
　　03. PAVANE POUR UNE INFANTE DEFUNTE
　　04. PUNK JAZZ
　　05. EXTRACTION
　　06. GENTLE HEARTS
　　07. BRAIN STORM
　　08. WONDERLAND IN THE SKY

（ビクター／JVC 2005年発売／VICJ-61265）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード VOL.2

　『ＡＴ　ＴＨＥ　ＨＡＬＦ　ＮＯＴＥ　ＣＡＦＥ　ＶＯＬＵＭＥ　１』批評でも書いたが『ＡＴ　ＴＨＥ　ＨＡＬＦ　ＮＯＴＥ　ＣＡＦＥ　ＶＯＬＵＭＥ　２』（以下『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』）の主役は，ドナルド・バードのトランペットではなく，ペッパー・アダムスのバリトン・サックスでもなく，デューク・ピアソンの“ファンキーな”ピアノで間違いない。

　そう。アート・ブレイキーの傍らにベニー・ゴルソンがいたように，ドナルド・バードの傍らにはデューク・ピアソンがいた。
　ドナルド・バードのトランペットに絡むペッパー・アダムスのバリトン・サックスの相性の良さは「鉄板」なのだが，そんな「鉄板」を超えるドナルド・バードとデューク・ピアソンの「新定番」が確立されたのが『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』と『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』での２枚のライブ盤なのである。

　『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』と『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』の２枚の違いについて書くとすれば，ライブ前半の１枚目はデューク・ピアソン１人が目立っているが，ライブ後半の２枚目に入ると，ドナルド・バード＆ペッパー・アダムス＆デューク・ピアソンという感じに３人のコンビネーションが決まってきている。

　１枚目が「デューク・ピアソンのファンキー・ジャズ」ならば，２枚目は「ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスの双頭コンボのファンキー・ジャズ」。ステージが進むにつれて演奏も会場も盛り上がっていく。
　「知性」と「ファンキー」。「可憐」と「野生味」がデューク・ピアソン一流の“黄金比”でブレンドされている。

　『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』と『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』の２枚で“天下を取った”三人組「ドナルド・バード＆ペッパー・アダムス・フィーチャリング・デューク・ピアソン」の時代は短い。
　続く『ＴＨＥ　ＣＡＴ　ＷＡＬＫ』を最後にドナルド・バードの（右腕がペッパー・アダムスであるのなら）左腕であるデューク・ピアソンとの蜜月コラボレーションが突然終了。

　後日，この契約解消はドナルド・バード側の意向と知って更に驚いた。ドナルド・バードも『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』と『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』の２枚を繰り返し聴いて，デューク・ピアソンの真価をもっと評価できたらよかったのにぃ。

　ただし競合相手がハービー・ハンコックだったのだからデューク・ピアソンに勝ち目はなかった。デューク・ピアソンの真価はドナルド・バード以上にアルフレッド・ライオンが高く高く評価しております。

　管理人の結論。『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』批評。

　デューク・ピアソンが，ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスの個性を引き出し描いた相反スケッチ。メンバー全員が突進することなく，それでいて芯があり，演奏にまとまりが感じられる。
　そう。ドナルド・バードの傍らにはデューク・ピアソンがいたのである。

　ライブ盤なのにスタジオ盤のような完璧な演奏に仕上がっている。
　この点をドナルド・バードの資質として素晴らしいと感じるか？　ライブ盤っぽくないと残念だと感じるか？で『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』の評価は二分されるように思う。

　　01. JEANNINE
　　02. PURE D. FUNK
　　03. KIMYAS
　　04. WHEN SUNNY GETS BLUE
　　05. BETWEEN THE DEVIL AND THE DEEP BLUE SEA
　　06. THEME FROM MR. LUCKY

（ブルーノート／BLUE NOTE 1960年発売／TOCJ-7109）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，岡崎正通）

櫻井 哲夫 ／ カルタス・ド・ブラジル

　櫻井哲夫“生涯のライフワーク”となる「ブラジル大好き」の１作目となる『ＣＡＲＴＡＳ　ＤＯ　ＢＲＡＳＩＬ』（以下『カルタス・ド・ブラジル』）は，櫻井哲夫の既発オリジナル曲をヴォーカル・ナンバーに仕立てたセルフ・カヴァー集。

　カシオペアとジンサクへの提供曲がここまでブラジルしてしまうとは！　お見事です。ＭＰＢど真ん中です。
　『カルタス・ド・ブラジル』のこの感覚はＴ−スクェアの『ヴォーカル・スクェア』を聴いた時と同じであって，インストのメロディー・ラインに歌詞が乗っても全く違和感がない。

　…と言うよりも元はインストなのに，初めからヴォーカル・ナンバーとして作曲されていたかのような素晴らしい出来映えである。トータルの完成度からすれば『ヴォーカル・スクェア』以上であろう。

　もしや櫻井哲夫の「ブラジル路線」はカシオペア在籍時から始まっていたのか？　そう思ってオリジナル音源と聴き比べたりしたものだが，どちらも甲乙付け難い。

　ズバリ『カルタス・ド・ブラジル』で初めて，櫻井哲夫の“歌心”に開眼してしまった。テクニカルなベースを弾きながらも，インストを演奏しながらも，櫻井哲夫はいつも心の中で「歌を歌っていた」のだ。
　超絶技巧のカシオペアのアレンジでは感じなかった，櫻井哲夫の中のＭＰＢ。そう言えばカシオペアって，ブラジル公演も行なったよなぁ。

　とにかく『カルタス・ド・ブラジル』は“超絶ベーシスト”櫻井哲夫を聴くアルバムではなく櫻井哲夫の“サウダージ”を聴くためのアルバムである。
　極論を書けば，櫻井哲夫は『カルタス・ド・ブラジル』で自らベースを弾かなくてもよかった。現地ブラジルのミュージシャンをコーディネイトと譜面を渡しさえすればすればよかった。もうその時点で『カルタス・ド・ブラジル』は完成したも同然だったから。後はちょちょっと最後の仕上げをするだけで「一丁上がり」！

　それくらいの大らかな雰囲気が『カルタス・ド・ブラジル』の中にある。ＭＰＢからの大物ゲスト・ヴォーカル陣＝イヴァン・リンス，ジャヴァン，フィロー・マシャード，ホーザ・パッソス，タチアーナ，ヴァレリア・オリヴェイラ，そして日本はオルケスタ・デ・ラ・ルスのＮＯＲＡが歌う，櫻井哲夫の“サウダージ”に心癒されてしまう。すごくいい。

　ある日，完全に脇役に徹している櫻井哲夫のベースを追いかけていて気付いたことがある。櫻井哲夫は１曲毎にベースの表情を変えてきている。
　スーパー・ウルトラ・テクニックを封印してもベースにこれほどの手間と時間をかけているのだった。

　櫻井哲夫の「ブラジル大好き」は，本物を超えた本物です！

　　01. ELISA
　　02. CANCAO DO CORACAO
　　03. REAL
　　04. VENUS
　　05. COM A PAZ NO CORACAO
　　06. A ESTRELA NAMORADA
　　07. SAUDADE DE VOCE
　　08. NAVEGANDO SOZINHO
　　09. LA MADRUGADA
　　10. SONHO DE VERAO
　　11. TEMPLO DA ILUSAO

（ビクター／JVC 2003年発売／VICJ-61127）

ドナルド・バード ／ コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード VOL.1

　本来ならば『ＡＴ　ＴＨＥ　ＨＡＬＦ　ＮＯＴＥ　ＣＡＦＥ　ＶＯＬＵＭＥ　１』（以下『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』）は（契約上の問題で）ドナルド・バードのソロ名義ではなくペッパー・アダムスのソロ名義になったはずのアルバムなのだから，ドナルド・バードの傍らにはペッパー・アダムスがいた，と書くべきであろう。

　しかし『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』のサウンド・メイキングを聴く限り『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』の主役は，ドナルド・バードのトランペットではなく，ペッパー・アダムスのバリトン・サックスでもなく，デューク・ピアソンの“ファンキーな”ピアノで間違いない。

　そう。アート・ブレイキーの傍らにベニー・ゴルソンがいたように，ドナルド・バードの傍らにはデューク・ピアソンがいた。
　ドナルド・バードのトランペットに絡むペッパー・アダムスのバリトン・サックスの相性の良さは「鉄板」なのだが，そんな「鉄板」を超えるドナルド・バードとデューク・ピアソンの「新定番」が確立されたのが『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』と『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．２』での２枚のライブ盤なのである。

　長年連れ添ってきたドナルド・バード＆ペッパー・アダムスの双頭コンボの蜜月関係に，デューク・ピアソンが初めて割って入ったのが『ＦＵＥＧＯ』であったが，この時点でのデューク・ピアソンはまだ駆け出しのサイドメン。

　『ＦＵＥＧＯ』『ＢＹＲＤ　ＩＮ　ＦＬＩＧＨＴ』でベニー・ゴルソン的な役割を果たしてきたデューク・ピアソンが，ついに『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』では，自ら先頭に立って「デューク・ピアソンのファンキー・ジャズ」を謳歌している。
　バップ・ラインに捉われない多様なサウンド・メイキングがノリに乗っていく。

　ズバリ『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』におけるドナルド・バード＆ペッパー・アダムスの存在価値とは，デューク・ピアソンの「持ち駒」であろう。
　デューク・ピアソンの指揮棒通りに演じられる，ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスのバトルとユニゾンとの塩梅が絶妙であって，結果，ゴリゴリしていない，都会的なファンキー・ジャズ＝「デューク・ピアソンのファンキー・ジャズ」が完成している。
　「知性」と「ファンキー」。「可憐」と「野生味」がデューク・ピアソン一流の“黄金比”でブレンドされている。

　管理人の結論。『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』批評。

　デューク・ピアソンが，ドナルド・バード＆ペッパー・アダムスの個性を引き出し描いた相反スケッチ。メンバー全員が突進することなく，それでいて芯があり，演奏にまとまりが感じられる。
　そう。ドナルド・バードの傍らにはデューク・ピアソンがいたのである。

　ライブ盤なのにスタジオ盤のような完璧な演奏に仕上がっている。
　この点をドナルド・バードの資質として素晴らしいと感じるか？　ライブ盤っぽくないと残念だと感じるか？で『コンプリート・ハーフノートのドナルド・バード　ＶＯＬ．１』の評価は二分されるように思う。

　　01. INTRODUCTION BY RUTH MASON LION
　　02. MY GIRL SHIRL
　　03. SOULFUL KIDDY
　　04. A PORTRAIT OF JENNIE
　　05. CECILE
　　06. THEME: PURE D. FUNK
　　07. CHILD'S PLAY
　　08. CHANT

（ブルーノート／BLUE NOTE 1960年発売／TOCJ-7108）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，岡崎正通）

櫻井 哲夫 ／ ジェントル・ハーツ

　“超絶ベーシスト”櫻井哲夫が“スーパー・ギタリスト”のグレッグ・ハウと“爆裂ドラマー”のデニス・チェンバースを迎えて制作された「フュージョン＋ロック＋ファンクの混血セッション大会」が『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』（以下『ジェントル・ハーツ』）である。

　とにかく凄い。凄すぎる。弾きまくりのセッションＣＤのド迫力に圧倒されてしまう。確かに「パンク・ロック・フュージョン」であろう。
　しかし，冷静に聴けるようになると革新的な「パンク・ロック・フュージョン」の原動力は，櫻井哲夫ではなくグレッグ・ハウだと思ってしまう。

　『ジェントル・ハーツ』はベーシストのトリオではなく，ギタリストのトリオである。
　完全に櫻井哲夫がグレッグ・ハウにリードされてしまっている。デニス・チェンバースの耳もベースではなくギターを聴いている節がある。

　恐らくは櫻井哲夫の紳士的で文字通りの『ジェントル・ハーツ』な人間性が，櫻井カラーを薄めてしまった原因ではなかろうか？
　いいや，カシオペア的なアンサンブルではなく，ジンサク的なアンサンブルでもなく，ジャコ・パストリアス的なアンサンブルを求めた結果，単なる“超絶バトル”で終わってしまった，というのが本音では？

　何はともあれソロ活動開始後，初めてとなる“超絶ベーシスト”としてのアルバムに歓喜したものだ。“音楽家”としての櫻井哲夫を聴き続けたいと願う反面，こうも“超絶ベーシスト”が封印され続けると「思いっきり弾いてくれ〜」とフラストレーションが溜まってしまうものですから…。

　そういう意味では『ジェントル・ハーツ』の本質は，櫻井哲夫にとっても櫻井哲夫のファンにとっても「ガス抜き」である。
　そういう意味では『ジェントル・ハーツ』の続編となる『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ　ＴＯＵＲ　２００４』や『ＶＩＴＡＬ　ＷＯＲＬＤ』もアウトローな「ガス抜き」である。

　管理人の結論。『ジェントル・ハーツ』批評。

　「パンク・ロック・フュージョン」路線の『ジェントル・ハーツ』の真価は，メロディーの中でベースをどれだけ「弾き倒すか」で決まるのであって，高度なアンサンブルとか楽曲の完成度までは求めてはならない。

　その意味で『ジェントル・ハーツ』は今一歩。ジャケ裏に書かれた“侍”の大文字の如く，野生の本能の赴くままに感情の発露をベースに乗せてくれたなら…。

ＰＳ　【ＳＡＭＵＲＡＩ　ＦＡＩＴＨ】を聴く度に，どこぞやにヒット曲を聴いている気分になる。ラジオの「パワープレイ」か何かで繰り返し耳にした曲に似ているだけなのだろうか？　喉元まで出てきているのに最後の最後で出てこない。【ＳＡＭＵＲＡＩ　ＦＡＩＴＨ】を聴く度に，どうしても思い出せずに，モヤモヤさまぁ〜ず。

　　01. SAMURAI FAITH
　　02. BRAIN STORM
　　03. PUNK JAZZ
　　04. GENTLE HEARTS
　　05. THE INVISIBLE WAY
　　06. MAXIMUM
　　07. WONDERLAND IN THE SKY
　　08. DANDELION

（ビクター／JVC 2001年発売／VICJ-60735）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ バード・イン・フライト

　『ＢＹＲＤ　ＩＮ　ＦＬＩＧＨＴ』（以下『バード・イン・フライト』）は，ジャズを聴き始めた頃から，ドナルド・バードを聴き始めた頃からずっと好きだった。

　『バード・イン・フライト』のメンバーは，トランペットのドナルド・バード，テナー・サックスのハンク・モブレー，アルト・サックスのジャッキー・マクリーン，ピアノのデューク・ピアソン，ベースのタグ・ワトキンスとレジー・ワークマン，ドラムのレックス・ハンフリーズである。悪かろうはずがない。

　「ブルーノートの助さん＆格さん」ハンク・モブレー＆ジャッキー・マクリーンの色彩豊かなコントラスト。どちらが上でも下でもない。どちらを取っても，サイドに回った時に実力以上の名演を残す「Ｂ級の顔」らしい，最高に素晴らしい演奏である。
　オーソドックスなクインテットというのも悪くはないが，惜しむべきはなぜ３管で来なかったのだろう？

　『バード・イン・フライト』の全６トラックは【ＧＨＡＮＡ】【ＬＩＴＴＬＥ　ＢＯＹ　ＢＬＵＥ】【ＧＡＴＥ　ＣＩＴＹ】【ＬＥＸ】【“ＢＯ”】【ＭＹ　ＧＩＲＬ　ＳＨＩＲＬ】の佳曲揃い。悪かろうはずがない。

　アフリカと見せかけておいて実はアフロキューバンな【ＧＨＡＮＡ】の疾走感が最高である。ブルーノートの名曲群の中に必らず名前が挙げられる【ＭＹ　ＧＩＲＬ　ＳＨＩＲＬ】のおフランス的なアンニュイな雰囲気が最高である。

　そう。『バード・イン・フライト』は，全ブルーノート好きが選ぶ，そして全ハード・バップ好きが選ぶ，そして全モダン・ジャズ・マニアが選んだ名盤である。管理人の昔からの愛聴盤である。

　しか〜し，管理人が『バード・イン・フライト』を，本気でここまで好きになったのは近年のことである。この好きの感情は別の次元からやってきた。山中千尋である。

　そう。山中千尋がドナルド・バードの「裏名盤」として『バード・イン・フライト』を挙げていたのだ。
　恥ずかしながら管理人には，実はこんな経験がたくさんあって，今回も自分の気になるジャズメンがいいと言うから好きになるパターン。

　今回は山中千尋の発言を取り上げたのだから，ライバルである上原ひろみの発言を例に説明しよう。
　過去に上原ひろみが「私の選ぶ１０枚」だったか何かで，管理人の“フェイバリット”キース・ジャレットの『スタンダーズ・イン・ノルウェイ』を挙げていた。

　管理人はその事実に凄く驚いた。世評における『スタンダーズ・イン・ノルウェイ』の評価はキース・ジャレット・トリオの『？？』の出涸らし。無論，キース・ジャレットの場合は出涸らしであっても超ド級の一級品に違いはないが，やはりキース・ジャレットの他のアルバムと比較したらワンランク落ちると管理人も思っていた。

　そうして改めて聴いた『スタンダーズ・イン・ノルウェイ』！　上原ひろみよ，あなたは何故にそんなにジャズのことが分かっているのか！　抜群にいいではないか！
　そうして改めて聴いた『バード・イン・フライト』！　山中千尋よ，あなたは何故にそんなにジャズのことが分かっているのか！　抜群にいいではないか！

　だ・か・ら『バード・イン・フライト』が以前よりもっと好きになった！　ドナルド・バードが以前よりずっと好きになった！　山中千尋ももっとずっと好きになった！

　ズバリ，山中千尋が教えてくれた『バード・イン・フライト』こそがドナルド・バードの「裏名盤」である。

　　01. GHANA
　　02. LITTLE BOY BLUE
　　03. GATE CITY
　　04. LEX
　　05. "BO"
　　06. MY GIRL SHIRL

（ブルーノート／BLUE NOTE 1960年発売／TOCJ-4048）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，原田和典，大西米寛）

櫻井 哲夫 ／ TLM20〜LIVE MEMORIES IN 20 YEARS

　“スーパー・ベーシスト”櫻井哲夫の「デビュー２０周年記念」のライブ盤『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』とは，カシオペアとジンサク時代の櫻井哲夫のオリジナル集を“演奏しまくる”四部構成のライブ盤である。

　その四部構成の内訳とは…
・第一部は勝田一樹が入った「櫻井哲夫　＆　勝田一樹　ＷＩＴＨ　カシオペア」。
・第二部は「櫻井哲夫　＆　神保彰」による【ＦＩＲＥＷＡＴＥＲ】と【ＦＵＮＫＹ　ＰＵＮＣＨ】でのジンサク『１００％』復活パート。
・第三部は「カシオペア　ＦＥＡＴＵＲＩＮＧ　櫻井哲夫」による【ＳＡＩＬＩＮＧ　ＡＬＯＮＥ】。
・第四部は櫻井哲夫のベース・ソロ【ＢＡＳＳ　ＳＯＬＯ　２０００】。

　ゆえに『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』のフォーメーションは“スーパー・ベーシスト”櫻井哲夫が一人前へ出て，次にドラムの神保彰が一人前へ出て，その次にギターの野呂一生とキーボードの向谷実が二人前へ出て，四列目にサックスの勝田一樹が控える構図であろう。

　そう。基本的には櫻井哲夫の「デビュー２０周年記念」にかこつけた「第一期カシオペア」の復活祭が“狙い”である。危うくばこれを機会にカシオペアに復帰できるかも…。
　櫻井哲夫も，いいや，野呂一生も向谷実も神保彰も，心のどこかに否定できない“淡い期待”があったと思う。

　しか〜し『ＴＬＭ２０〜ＬＩＶＥ　ＭＥＭＯＲＩＥＳ　ＩＮ　２０　ＹＥＡＲＳ』から飛び出してきた音楽は，どうにもこうにも“カシオペアっぽくない”。
　黄金期のメンバーで演奏しているのに，明らかにあの頃のカシオペアになりきれていない。

　その最大の理由はサックスの勝田一樹のブロウにある。
　勝田一樹のサックスが鳴れば，バックがカシオペアなのにＤＩＭＥＮＳＩＯＮに聴こえてしまう。勝田一樹は“物凄い個性”を持っている。

　もはやカシオペアには戻れない。櫻井哲夫本人も（そして野呂一生も向谷実も神保彰も）自覚したであろう「デビュー２０周年記念」のカシオペアからの完全卒業ライブ盤である。

　　01. CHAOS
　　02. I'M GONNA CATCH YOU
　　03. DISPENSATION
　　04. ALISA
　　05. FIREWATER
　　06. FUNKY PUNCH
　　07. SAILING ALONE
　　08. RED ZONE
　　09. BASS SOLO 2000
　　10. YOU CAN DO IT!
　　11. 45ﾟC

（ビクター／JVC 2000年発売／VICJ-60644）
（ライナーノーツ／櫻井哲夫）

ドナルド・バード ／ フュエゴ

　ドナルド・バードの代表作にしてファンキー・ジャズ屈指の名盤と讃えられる『ＦＵＥＧＯ』（以下『フュエゴ』）。

　『フュエゴ』の高評価に異論はない。ただし，管理人が評価する『フュエゴ』とは“踊れるハード・バップ”であり“ＰＯＰなハード・バップ”としての『フュエゴ』である。
　ズバリ，ドナルド・バードのファンキー・ジャズとは，アート・ブレイキーやホレス・シルヴァーやキャノンボール・アダレイからイメージする一般的なファンキー・ジャズとは一線を画している。

　例えば，アート・ブレイキーの【ＭＯＡＮＩＮ’】。ホレス・シルヴァーの【ＳＯＮＧ　ＦＯＲ　ＭＹ　ＦＡＴＨＥＲ】。キャノンボール・アダレイの【ＭＥＲＣＹ，ＭＥＲＣＹ，ＭＥＲＣＹ】。これらは躊躇せずに踊れる，と言うか本質として乗れる。

　一方，ドナルド・バードの場合はファンキーと言ってもまだまだ品の良さが漂う。
　『フュエゴ』の本質とはドナルド・バードの素朴で歌心のある演奏に，ブルーノート独特の“黒っぽい”サウンドエンジニアリングが相乗して合成されたファンキー・ジャズである。

　ズバリ『フュエゴ』の音楽監督はデューク・ピアソンである。デューク・ピアソンのゴスペル・ピアノが，デューク・ピアソンの“ＣＯＯＬ”なソロ名義とは聞き違えるほどに乗っている。
　デューク・ピアソンの“ＨＯＴな”ピアノが『フュエゴ』を“踊れるハード・バップ”へと強烈に押し上げている。

　加えて，この流れで書いておかねばならないのは『フュエゴ』の主役は，ドナルド・バードのトランペットではなくジャッキー・マクリーンのアルト・サックスである。
　マイナー・トーンを吹かせたら無双の強さを発揮するジャッキー・マクリーンが『フュエゴ』のアーシーな雰囲気に一役買っている。饒舌さはない。シンプルなロングトーンを多様した何とも情緒的なアルト・サックスが延々と鳴り続ける。

　そんなジャッキー・マクリーンに脇役ユニゾンをとらせたテーマだけがドナルド・バードの出番である。ドナルド・バードの力強くもとっつきやすいトランペットがなかなかのもので，確かにドナルド・バードのトランペット・ソロを聴いて「これぞ，ファンキー・ジャズの王道」と誤って思い込んでしまうマニアの気持ちも理解できる。

　『フュエゴ』の全６曲のメロディー・ラインは耳に残るものばかり。キャッチーで覚えやすいテーマばかり。自然と口ずさめるのはホレス・シルヴァーやベニー・ゴルソンの作曲したハーモニー・ラインに乗っている。

　ただし，ドナルド・バードの場合，この全てが天性のノリではなく計算されたノリで出来上がっている。一般的なファンキー・ジャズとの「アザトサのチラミセ」が，ハード・バップでもなくファンキーでもない“孤高の”ファンキー・ジャズたらしめる魅力なのである。

　もしかしたら『フュエゴ』というアルバムは，頭脳明晰なドナルド・バードが，当時のジャズ界の革新であったモードの楽譜を見つめながら，ああではない，こうではない，と演奏したのでは？

　管理人的には『フュエゴ』＝ドナルド・バード＝ファンキー・ジャズとして語られる風潮には反対ではありますが，まぁ，正直『フュエゴ』が，ハード・バップであろうとファンキー・ジャズであろうと，別にどっちでもいいんです。

　大切なのは『フュエゴ』を読者の皆さんにも聴くていただきたい，ということ。絶対にジャズが好きになりますよっ。

　　01. FUEGO
　　02. BUP A LOUP
　　03. FUNKY MAMA
　　04. LOW LIFE
　　05. LAMENT
　　06. AMEN

（ブルーノート／BLUE NOTE 1960年発売／TOCJ-7017）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，原田和典）

ドナルド・バード ／ バード・イン・ハンド

　“最高傑作”『オフ・トゥ・ザ・レイシス』を軸として，一層細かな音楽表現を意識したハード・バップの名盤。それが『ＢＹＲＤ　ＩＮ　ＨＡＮＤ』（以下『バード・イン・ハンド』）である。
　『バード・イン・ハンド』の“落ち着き払った”アレンジは，どことなく同じ３管フロント，アート・ファーマー＆ベニー・ゴルソン＆カーティス・フラーによる「ジャズテット」をイメージしてしまう。

　ドナルド・バードは『バード・イン・ハンド』で，他とは一線を画す“知的なハード・バップ”を訴求していた。美メロと物悲しい音色の絶妙の組み合わせ1。すなわち３管フロントの再編となるテナー・サックスの導入である。

　ドナルド・バードの音楽を聴くと，すぐに感じる丁寧に計算されたアンサンブルの妙。管楽器の中で一番高音域のトランペットと木管楽器の中で一番低音域のバリトン・サックス。その中間のサックスはアルトなのか？　それともテナーなのか？

　基本的にはドナルド・バードが『バード・イン・ハンド』で下した選択は正しいと思う。３管フロントが最も輝くのはトランペット＆バリトンにアルトではなくテナーの方だろう。
　チャーリー・ラウズのテナー・サックスが素晴らしい。マイナー調の曲想とチャーリー・ラウズの老練でダークな持ち味がズバリ。ペッパー・アダムスとの迫力あるユニゾンがきれいにまとめ上げられている。

　しかし“まろやかな渋みのトランペッター”ドナルド・バードの場合は「アルト　ＯＲ　テナー」の選択ではなく「ジャッキー・マクリーン　ＯＲ　チャーリー・ラウズ」の選択である。
　『オフ・トゥ・ザ・レイシス』の３管と『バード・イン・ハンド』の３管を聴き比べると，ドナルド・バードと相性がいいのはアルト・サックスのジャッキー・マクリーンの方であろう。

　気合い一発系ながらも朴訥なジャッキー・マクリーンのアルト・サックスにドナルド・バードの憂いを湛えたまろやかなトランペットの音色が寄り添うことで，全体の厚みを保ちながら物悲しさを滲ませるという相乗効果を発揮することにつながっている。
　『オフ・トゥ・ザ・レイシス』がジャッキー・マクリーンだし『フュエゴ』もジャッキー・マクリーンだし…。

　おおっと誤解のありませんように！　『バード・イン・ハンド』を『オフ・トゥ・ザ・レイシス』より劣るトーンで，チャーリー・ラウズをジャッキー・マクリーンより劣るトーンで書いているが，１０回中１回は『オフ・トゥ・ザ・レイシス』よりも『バード・イン・ハンド』が素晴らしい，と思う夜が来る！

　キレイ目ハード・バップの代表的な名盤として『バード・イン・ハンド』をお忘れなく…。

　　01. WITCHCRAFT
　　02. HERE AM I
　　03. DEVIL WHIP
　　04. BRONZE DANCE
　　05. CLARION CALLS
　　06. THE INJUNS

（ブルーノート／BLUE NOTE 1959年発売／TOCJ-9099）
（紙ジャケット仕様）
（ライナーノーツ／アイラ・ギトラー，小川隆夫）

櫻井 哲夫 ／ 21世紀の扉

　カシオペアの脱退〜シャンバラの結成〜ジンサクの結成と，１８年間行動を共にしてきた神保彰とのユニット活動が終了。

　晴れてソロ活動に専念することになった櫻井哲夫の１３年振りとなるソロ・アルバムが『Ａ　ＧＡＴＥ　ＯＦ　ＴＨＥ　２１ＳＴ　ＣＥＮＴＵＲＹ』（以下『２１世紀の扉』）である。
（　余談ですが櫻井さん。ジンサク始動前後から名前の漢字表記が桜井哲夫から櫻井哲夫になっております　）

　ズバリ『２１世紀の扉』の真意は『櫻井哲夫の扉』であって，櫻井哲夫のこれまで閉じられていたゲートをオープンの意！

　そのキーマンとして指名されたのが“爆裂ドラマー”デニス・チェンバースであった。「世界の神保彰」と夫婦以上に“連れ添ってきた”櫻井哲夫にしてみれば，神保彰クラスの超大物＝デニス・チェンバースとの共演は必然の選択であろう。

　ではデニス・チェンバースの「爆撃型」ドラムが櫻井哲夫のスタイルに合うかと言われると，櫻井哲夫はデニス・チェンバースの使い方を間違えたと思う。
　“猛獣”デニス・チェンバースを上手に使いこなすには，ジョン・スコフィールドやゲイリー・トマスのような「ワイルドさ」がないとねっ。

　『２１世紀の扉』では“紳士”を通した櫻井哲夫が“猛獣使い”へと成長するのは『ＶＩＴＡＬ　ＷＯＲＬＤ』でのことである。『ＧＥＮＴＬＥ　ＨＥＡＲＴＳ』もグレッグ・ハウに引っ張られていい感じではあるが，タイトルがまだ“紳士”していますから〜。

　そう。『２１世紀の扉』のハイライトはデニス・チェンバースではなく，やっぱり櫻井哲夫と来れば「歌もの」の【ＮＥＶＥＲ　ＥＮＤＩＮＧ　ＷＯＲＬＤ】である。
　何か，いつかどこかＴＶの主題歌として聞いたことがある感じ？　【ＮＥＶＥＲ　ＥＮＤＩＮＧ　ＷＯＲＬＤ】が流れ出すと，管理人，曲の最初から最後まで口ずさんでしまいます！　大好き！

　管理人の結論。『２１世紀の扉』批評。

　ズバリ，デニス・チェンバースとハードなプログレ系リズム隊を組んだ『２１世紀の扉』では『櫻井哲夫の扉』は開かなかった。
　ただし『櫻井哲夫の扉』には幾種類もの『扉』が存在することを確認できたのは収穫である。櫻井哲夫はベースだけ，フュージョンだけではない“総合的なアーティスト”である。

　個人的には『２１世紀の扉』の出来のバラツキを聴く限り，櫻井哲夫のソロ活動は，温厚な「ゆるキャラ」路線がお似合いのように思う…。

　　01. SHAKE YOUR HIP
　　02. VITAL PEOPLE
　　03. YOU CAN DO IT!
　　04. ANGEL SMILE
　　05. NEVER ENDING WORLD
　　06. THE SUNSHINE
　　07. SILENCE IN THE MOONLIGHT
　　08. NOAH'S ARK
　　09. A ESTRELA NAMORADA

（ガーデニアン／GARDENIAN 1999年発売／CRCI-20384）

ドナルド・バード ／ オフ・トゥ・ザ・レイシス

　『ＯＦＦ　ＴＯ　ＴＨＥ　ＲＡＣＥＳ』（以下『オフ・トゥ・ザ・レイシス』）こそが，ドナルド・バードの“最高傑作”である。

　ブルーノートには１５００番台でのサイドメンも含めてドナルド・バードの名演が数多く残されている。セールス的には後年のファンキー路線の方が成功を収めている。
　でも，それでも，管理人にとってドナルド・バードと来れば，問答無用で『オフ・トゥ・ザ・レイシス』なのだ。とにかくカッコ良い。このカッコ良さは「花形」トランペッターとして活動することを許された，わずか数人だけが醸し出すことのできる“味”なのである。

　そんなジャズ・トランペット特有のカッコ良さがギッシリと詰め込まれているアルバムはブルーノートのコレクションを見渡しても，いいや，ハード・バップの歴史的名演を見回しても『オフ・トゥ・ザ・レイシス』以外には見つからない。

　『オフ・トゥ・ザ・レイシス』は，アルト・サックスのジャッキー・マクリーンとバリトン・サックスのペッパー・アダムスと組んだ３管フロントによる直球ハード・バップ。
　ことに３管，しかもバリトン・サックスと来れば“コテコテの分厚いアンサンブル”をイメージするのだが『オフ・トゥ・ザ・レイシス』にはそれがない。３管なのに暑苦しさのかけらもない。
　ホッとできると言うか，小難しいところなんて皆無だし，軽やかにサクサクとアンサンブルが突き進んでいく。

　ズバリ，この独特なアンサンブルこそが“ジャズ・トランペッター”ドナルド・バード“特有の味”！
　例えば，同じクリフォード・ブラウン直系のリー・モーガンやフレディ・ハバードであれば，熱くなると天井知らずのエモーションというか，トランペッターの本能ともいうべき強烈なエゴイズムを感じずにはいられないのだが，ドナルド・バードの場合は，どんなに熱く盛り上がろうとも，常に全体をクールに見つめている。
　まるでマイルス・デイビスのように…。あたかもウェイン・ショーターのように…。

　そう。ハイノートをビシビシとヒットさせるではなく，中音域を中心に組み立てられたメロディアスなフレーズが「金管」トランペットから連発する。
　感情表現だけではない“カラフルな展開と仕掛け”にこそ，ドナルド・バードの唯一無二の個性を強く感じてしまう。

　１曲目の【ＬＯＶＥＲ　ＣＯＭＥ　ＢＡＣＫ　ＴＯ　ＭＥ】と２曲目の【ＷＨＥＮ　ＹＯＵＲ　ＬＯＶＥＲ　ＨＡＳ　ＧＯＮＥ】も相当に良い。
　しかし『オフ・トゥ・ザ・レイシス』のハイライトは３曲目の【ＳＵＤＷＥＳＴ　ＦＵＮＫ】である。特に１分８秒からのハイ上がり！　そこからさらにハイ上がる６分２２秒からのハーモニーこそが，モダン・ジャズ史上「指折り」の“燃え＆萌え”！　このアンサンブル，カッコヨスギ！

　管理人は『オフ・トゥ・ザ・レイシス』は３曲目から聴き始める。憂鬱な気分も１曲聴き終える頃には吹き飛んでしまっている。
　ＣＤ時代には，３曲目から聴き始めてそのまま６曲目までで聴き終えるのが常だった。しかしリッピングを行なうようになってからは１曲目と２曲目も聴くようになった。
　それまでほとんど聴いてこなかったから急速調の【ＬＯＶＥＲ　ＣＯＭＥ　ＢＡＣＫ　ＴＯ　ＭＥ】と美しい音色のバラード【ＷＨＥＮ　ＹＯＵＲ　ＬＯＶＥＲ　ＨＡＳ　ＧＯＮＥ】がめちゃめちゃ楽しい。
　この個人的な不思議体験が『オフ・トゥ・ザ・レイシス』を「1粒で２度おいしい」“特別な１枚”へと押し上げてくれる。

　管理人の結論。『オフ・トゥ・ザ・レイシス』批評。

　『オフ・トゥ・ザ・レイシス』は絶対名盤である。【ＳＵＤＷＥＳＴ　ＦＵＮＫ】は絶対名曲である。
　ドナルド・バードを「しゃぶり尽くしたいのなら」そしてジャズ・トランペットに「酔いしれたいのなら」『オフ・トゥ・ザ・レイシス』で決まりである。

　『オフ・トゥ・ザ・レイシス』の真骨頂を味わいたいのなら【ＳＵＤＷＥＳＴ　ＦＵＮＫ】からアルバム全体を聴き始めることをお奨めする。
　「ジャズ批評家」セラビーの名とプライドをかけて，絶対に満足することをここに保証する。

　　01. LOVER COME BACK TO ME
　　02. WHEN YOUR LOVER HAS GONE
　　03. SUDWEST FUNK
　　04. PAUL'S PAL
　　05. OFF TO THE RACES
　　06. DOWN TEMPO

（ブルーノート／BLUE NOTE 1959年発売／TOCJ-6465）
（ライナーノーツ／ジョー・ゴールドバーグ，高井信成）

桜井 哲夫 ／ DEWDROPS

　『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』については，元カシオペアの桜井哲夫のファースト・ソロと紹介するより，元シャンバラの桜井哲夫のファースト・ソロと紹介する方がふさわしいと思っている。

　『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』はテクニカルなインスト・メインではない。『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』のメインは歌ものである。ヴォーカルである。
　そう。桜井哲夫がシャンバラで目指したのは『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』の“延長拡大バンド”だったと思う。『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』で完成させた“シティ系ＰＯＰバンド”だったと思う。

　『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』の基本はカシオペアの１６ビートではなく非カシオペアの８ビート。しかもバリバリのチョッパー・チューンはラストの１曲のみ。中にはベースを弾いていない曲もある。男女掛け合いのヴォーカル・ナンバーや和太鼓と琴のヘンテコな曲がクセになる？

　アルバムの方向性などはない。カシオペア・ファンが買いそうな内容ではない。いいんです。それでいいんです。
　なぜならば『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』は，桜井哲夫が仕事としてではなく，全くの“個人的な趣味”で作ったアルバムなのだから…。

　『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』のコンセプトは，自作のオリジナル曲を自分が弾いてもらいたい人に自由に弾いてもらう。
　例えばサックスの伊東たけしとジェイク・Ｈ・コンセプションと高野正幹，ギターとシンセサイザーの鳥山雄司，ギターの和田アキラと松下誠と吉川忠英，キーボードの森村献と井上鑑，ピアノの橋本一子，ドラムの青山純と宮崎全弘，パーカッションの仙波清彦と浜口茂外也，トランペットの数原晋と林研一郎，トロンボーンの平内保夫，そしてヴォーカリストが楠木勇有行と堀口和男と山川恵津子と大野えりＣＩＮＤＹとＭＡＲＶＩＮとＫＵＭＩ！　正に桜井哲夫の「１００％趣味丸出し」なミュージシャン！

　１９８６年にカシオペアはバンドの充電期間の一環として，メンバー全員のソロ・アルバムをリリースすることになった。
　野呂一生の『ＳＷＥＥＴ　ＳＰＨＥＲＥ』。向谷実の『ＷＥＬＣＯＭＥ　ＴＯ　ＴＨＥ　ＭＩＮＯＲＵ’Ｓ　ＬＡＮＤ』。神保彰の『ＣＯＴＴＯＮ’』。桜井哲夫の『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』がそれである。

　この４枚「揃い踏み」を聴き比べて，１人桜井哲夫の『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』だけが浮いて聴こえたことを覚えている。
　桜井哲夫だけが，自分の得意技（超絶ベーシスト）を封印し，自分のカテゴラリー（フュージョンあるいはインストルメンタル）からも逸脱し“シティ系”を気取っていたが，当時は分からなかったその理由を今となっては理解できる。桜井哲夫の３０年間をずっと追いかけてきたから理解できる。

　とにかく今となっては『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』こそが，桜井哲夫のルーツ，桜井哲夫の全てであった，と断言できる！

　キーワードは作詞にある。当時は歌詞なんて聴いておらずヴォーカルも楽器の一部的な捉え方をしていたのだが，今では俄然，歌詞に耳が行くようになった。
　“スーパー・ベーシスト”桜井哲夫が，こんなにも素直に表現していたなんて…。恥ずかしげもなく書いていたなんて…。

　桜井哲夫は「無垢な男」だと思う。桜井哲夫は「真面目な男」だと思う。桜井哲夫の真価は「歌もの」に如実に表われるのである。
　その実，ベース一本で生きていると思わせといて，それは仕事だからであって，素の桜井哲夫という男は一本の万年筆をベースに持ち替えて生きている。

　これほどまでに「歌もの」が好きななのだから，いつの日かまたシャンバラをやってほしいと思う。『ＤＥＷＤＲＯＰＳ』バンドをやってほしいと思う。心からそう思う。

　　01. REFRESH!
　　02. IN THE DISTANCE
　　03. NIGHT DEW
　　04. KIMONO
　　05. TENSION
　　06. EARTH CALLING SPACE
　　07. VENUS
　　08. JESTER'S DANCE
　　09. PROPHET VOYAGER

（ビクター／JVC 1986年発売／VDR-1181）

ビル・チャーラップ・トリオ ／ ディスタント・スター

　ビル・チャーラップとビル・シャーラップ。両名とも英語では「ＢＩＬＬ　ＣＨＡＲＬＡＰ」と書く。そう。同一人物である。
　こんなパターンはたくさんあって，思いつくままに書くと，ジャック・デジョネットとジャック・ディジョネットとか，デヴィッド・サンボーンとデイヴィッド・サンボーンとか，マイルス・デイビスとマイルス・デイヴィスとか，その多くはレーベルとかレコード会社が変わると日本語表記が変わったりする。

　まっ，普段は“馴染みの”ビル・チャーラップ表記がビル・シャーラップ表記になっていたとしてもスルーするのだが，今回のビル・シャーラップ名義の『ＤＩＳＴＡＮＴ　ＳＴＡＲ』（以下『ディスタント・スター』）はスルーできなかった。
　ビル・チャーラップと同一人物のビル・シャーラップが明らかに別人として響いてしまう。ここでも（よせばいいのに）書いておくとピアノのビル・エヴァンスとサックスのビル・エヴァンスくらいに？別人として響いてしまったのだ。

　そう。ビル・シャーラップ名義の『ディスタント・スター』には，オーソドックスで“趣味の良さ”を直感させるビル・チャーラップの個性的なピアノがいない。
　ビル・シャーラップのピアノがベースのショーン・スミスとドラムのビル・スチュワートを挑発している。ゆえにリスナーをも挑発している。

　あの「優等生」なビル・チャーラップが，もう１人の自分＝ビル・シャーラップと対峙している。「ハードボイルド」なジャズ・ピアノの創造にチャレンジしている。
　ニューヨーク・トリオやビル・チャーラップ・トリオを聴いてきた耳にはビックリである！　←　管理人のビル・チャーラップの順番はニューヨーク・トリオ→ビル・チャーラップ・トリオ→ビル・シャーラップ・トリオのＲＯＵＮＤ　ＴＲＩＰ。

　こんなにもエキサイトしたビル・チャーラップを聴いたのは初めてである。悠々と拍を伸縮してグルーヴするショーン・スミスのベース，チキリチキリとおかずを加えるビル・スチュワートのシャープなドラミングとのインタープレイが最高に素晴らしい。
　ビル・チャーラップのめちゃめちゃタイトなリズム感。そのタイミングでその音を置くのか，としか表現しようのない“ジャスト”タイプの個性炸裂の大名演。

　　丁寧なソフト・タッチで美メロを紡ぎあげさせたら当代随一のビル・チャーラップ。本当にこの人の弾くピアノは嫌味がない。
　だ・か・ら・ニューヨーク・トリオの名演の秘訣は，そしてビル・シャーラップ・トリオの名演の秘訣は，ひとえにビル・スチュワートの“やり過ぎる”ドラミングとの相性の良さにある。この２人にしか通じ合えない「調和の妙」がお見事である。

　「ソフト」なビル・チャーラップと「ハード」なビル・シャーラップの違いは，ビル・スチュワートのドラムを「受けるか，攻めるか」の違いである。
　ジャズメンの個性は１つとは限らないのだから，たまには「硬派」なビル・シャーラップとしての“顔”も見せてほしいと思う。

　　01. ALONG THE WAY
　　02. WHILE WE'RE YOUNG
　　03. LAST NIGHT WHEN WE WERE YOUNG
　　04. HERE I'LL STAY
　　05. DISTANT STAR
　　06. BON AMI
　　07. '39 WORLDS FAIR
　　08. STARLIGHT
　　09. THE HEATHER ON THE HILL

（クリスクロス／CRISS CROSS JAZZ 1997年発売／CRISS 1131 CD）
（☆直輸入盤仕様）
（ライナーノーツ／ビル・チャーラップ）

マリーン meets 本田 雅人 B.B.Station ／ ジャズ＆アウト

　管理人的には１００％＝本田雅人目当てで購入した『ＪＡＺＺ’Ｎ　ＯＵＴ』（以下『ジャズ＆アウト』）だったのだが，やっぱり主役はマリーンであった。よって意図せずにサポートに回った本田雅人を聴いたことになる。

　…で，結論。本田雅人は本田雅人だよなぁ。本田雅人はサイドで吹いても“存在感有り有り”なのである。

　「本田雅人Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」はビッグ・バンドなのだから，本田雅人のソロは少ない。
　ではなぜ管理人が『ジャズ＆アウト』に本田雅人を強く意識するかと言えば，このビッグ・バンド・アンサンブルこそが「本田節」の拡大版で響くから！
　そう。本田雅人のいつものフレージングが「本田雅人Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」で完璧に表現されている。

（　ただし「本田雅人Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」名義にして，実際に「Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」での演奏は正味５トラックのみ。残る５トラックは所謂，本田バンドでの演奏ですので，ビッグ・バンド目当てのジャズ・ファンはご注意を！　）

　いつものように本田雅人一流の“凝りに凝った”アンサンブルで攻めてくると思いきや「Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」での本田雅人は，意外にもシンプル仕上げなアンサンブル！
　「Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」の音作りは，中低音をパワフルに鳴らす，古き良きスイング・ビッグ・バンドのスタイルを基本に，洗練でヒネリを効かせた都会的なアレンジなのは言わずもがな！

　なぜならば「本田雅人Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」のソロイストは本田雅人唯一人！
　本田雅人がプレイするアルト・サックス，ソプラノ・サックス，フルート，クラリネットの木管楽器と，トランペット，フリューゲルホーン，トロンボーンの金管楽器が・映・え・る・か・ら・中低音をパワフルに鳴らす仕掛け。

　でもでもそんな“存在感有り有り”の本田雅人のスーパー・ソロをして，マリーンのボーカルに全てを持っていかれている！
　まっ，アルバム・タイトルが『ジャズ＆アウト』なのだから，本職のジャズ・ナンバーから兼業？のアウト（つまりポップスとかロック）までを網羅する人気ヒットパレードを歌う“歌姫”マリーンの独壇場！

　個人的には映画「キャバレー」の主題歌の再演となった【ＬＥＦＴ　ＡＬＯＮＥ】と，やっぱりマリーンと来れば！の【ＩＴ’Ｓ　ＭＡＧＩＣ】を集中して聴いていたのだが，最終的に『ジャズ＆アウト』のお気に入りは【ＳＩＮＧ　ＳＩＮＧ　ＳＩＮＧ】と【ＹＯＵ’ＬＬ　ＮＥＶＥＲ　ＧＥＴ　ＴＯ　ＨＥＡＶＥＮ】。
　３０代後半のある時期，この２曲ばかりを朝から晩までリピートして過ごしていた“メモリー”がある。

　思うに『ジャズ＆アウト』の構図とは“歌姫”マリーンの生バンドとしての「本田雅人Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」！　何となく，子供の頃見ていた「昭和歌謡の歌番組」を見て（聴いて）いるような気分がする。
　その歌番組のカット割りは７割がマリーン，２割が本田雅人でもう１割が「Ｂ．Ｂ．ＳＴＡＴＩＯＮ」。

　とにかく威風堂々と歌い上げる“ジャズ・ヴォーカリスト”マリーンを前面に出しているようでいて，実は裏で回している「本田節」が“隠し味”として効いている。

　　01. Sing Sing Sing
　　02. It's Magic
　　03. You'll Never Get To Heaven
　　04. Can't Take My Eyes Off Of You
　　05. Cafe Style
　　06. Tennessee Waltz
　　07. Dazzle The Night
　　08. Left Alone
　　09. I Was Born To Love You
　　10. In The Quiet Blue

（ＢＭＧ／BMG 2007年発売／BVCJ-34032）
（ライナーノーツ／岩浪洋三，佐藤大介）

ドン・フリードマン ／ サークル・ワルツ

　「エヴァンス派」の代表格とされているドン・フリードマン本人がビル・エヴァンスからの影響を公式に否定しているらしい。ドン・フリードマンのファンなら，ドン・フリードマンの独自性を支持する気持ちも分からなくはないのだが『ＣＩＲＣＬＥ　ＷＡＬＴＺ』（以下『サークル・ワルツ』）を聴いてもなおドン・フリードマン＝「エヴァンス派」を否定する気持ちは全く理解できない。

　『サークル・ワルツ』のドン・フリードマンに，ビル・エヴァンスのピアノが“乗り移っている”。
　出だしの数秒間で「エヴァンス派」だと分かってしまう，知的で繊細でリリシズムの音選び。胸を締めつけられるような美しいテーマ。一転して静かに自分の音を探りにいく展開。確かめるようにゆっくりと弾かれる和音の連鎖。ベースとドラムとの対等なインタープレイ…。

　『サークル・ワルツ』のピアノを聴いて，ビル・エヴァンスのピアノを想起しないジャズ・ファンがいるとすれば，それこそ“モグリ”であろう。
　仮にブラインド・テストを行なったとしたら，十中八九，ビル・エヴァンスと答えてしまう人が続出するだろう。

　では，なぜにドン・フリードマンは公式に「エヴァンス派」を否定するのだろうか？　それはドン・フリードマンがビル・エヴァンスに“先んじた点”があるという自負から来ているのだろう。
　『サークル・ワルツ』のベーシストはチャック・イスラエル。そう。スコット・ラファロの“後釜”であるチャック・イスラエル“その人”である。

　ここでスコット・ラファロについても補足しておくが，スコット・ラファロも元々はドン・フリードマン・トリオのレギューラー・ベーシストだったという，２代続けてかっさらいの因縁有。
　そう。スコット・ラファロもチャック・イスラエルも，ビル・エヴァンスと共演したことで名声が高まっただけで，元々はドン・フリードマンに見出されたベーシストだった。

　つまりドン・フリードマンが“先んじた”ジャズ・ピアノを“後出し”で完成させたのがビル・エヴァンス，という考え方もできる。
　そう。ビル・エヴァンスのような演奏スタイルは「エヴァンス派」と称されるのではなく「フリードマン派」と称された可能性があったのだ。

　だから似ている。似ていて当然。似ていてもしょうがない。ビル・エヴァンスもドン・フリードマンも同じ時代に活動していたわけだから，互いに意識したとしても意識しないとしても，現実には「互いが互いに影響を与え，影響を受けた」ジャズ・ピアニスト…。２人とも分類すると同じカテゴリーに属するジャズ・ピアニスト…。

　さて『サークル・ワルツ』の評価であるが，仮にドン・フリードマンが『サークル・ワルツ』とは別にもう１枚の名盤を録音していれば，世間の目はビル・エヴァンスではなくドン・フリードマンに目を向けたと思うほどの大名盤である。個人的には“衝撃の１枚”にカウントしたい。

　　『サークル・ワルツ』はとにかく「儚い」。『サークル・ワルツ』の「儚さ」加減は，ビル・エヴァンスの「リバーサイド４部作」をも凌駕している。

　ビル・エヴァンスとドン・フリードマンは同じレーベルメイトなんだし，リバーサイド側も『サークル・ワルツ』を『ポートレイト・イン・ジャズ』『エクスプロレイションズ』『サンディ・アット・ザ・ビレッジ・バンガード』『ワルツ・フォー・デビイ』と抱き合わせて「リバーサイド５部作」として売り出したら良かったのに…。永遠のライバルではなくＷＩＮ＆ＷＩＮの関係になっていたはずなのに…。

　唯一『サークル・ワルツ』の「リバーサイド５部作」を阻む理由はドラマーの違いであろう。後に弁護士に転身したピート・ラロカはさすがに構築的なドラミング。
　ズバリ，ドラマーの違いはベーシストの違い以上に大きい。パーカッシブなポール・モチアンがいなければ，ビル・エヴァンス・トリオの「耽美主義」は成立しないのだ。

　ビル・エヴァンスの凶暴性は「帝王亡き後の新帝王」ポール・モチアンでなければコントロールできやしない！

　　01. Circle Waltz
　　02. Sea's Breeze
　　03. I Hear a Rhapsody
　　04. In Your Own Sweet Way
　　05. Loves Parting
　　06. So in Love
　　07. Modes Pivoting

（リバーサイド／RIVERSIDE 1962年発売／VICJ-60025）
（ライナーノーツ／ジョー・ゴールドバーグ，野口久光）

カシオペア ／ LIVE HISTORY PART-1

　管理人が初めて見たライヴ・コンサートは上京して間もない１８歳のこと。１９８６年の何月のことだったのからもう忘れてしまったが，中学・高校時代の最大のアイドル＝カシオペアであった。
　夢見た東京ライフの楽しみ事は両手にいっぱいあったのだが，多分，最大の楽しみとはカシオペアの生ライヴに行くことだったように思う。ちっちゃ〜。

　入社した某鉄道会社の同期はほぼ年上。本当にみんなが優しくしてくれた。東京採用のお兄さんお姉さんたちが遊び方も教えてくれた。コンサートのチケットは「ぴあ」で取ることも教えてもらった。
　「ぴあ」の存在を知ってからは底なしになってしまって，本当に音楽以外でも毎週土日は東京へ繰り出す生活パターン。仕事は残業月に７０時間ぐらいしていたのに，土曜日の午前は昼間で寝ていて起きたらオールナイトで東京見物。バブルだったし。若かったし。週末遊ぶために生活していた。

　話を戻すと，そんな感じで「ぴあ」でチケットを取って初めて出掛けたライヴ・コンサートがカシオペアの『ＳＵＮ　ＳＵＮ』のフォロー・ツアー。場所は地元の習志野文化ホール（成人式もここ）だった。
　開演時間とか開場時間とか，もうとにかく初めてのコンサート体験だったので，大分早めに到着したのだろう。まだリハーサル終わりぐらいの時間だったのだろう。若さから来る「無鉄砲」は，ここでは全てを書けないが，生の向谷実に「どこかでお会いしましたかね〜」みたいなことを言われた。それ以来，ＭＣ中の司会屋実は好きだけど，素の向谷実をちょっぴり嫌いになったりもした。その頃の管理人は“野呂さん命”でしたら〜。

　…で，ここからが本論であるが，初めて見たカシオペアのコンサートで，終演後に電話した女友達がいたし，興奮を手紙に書いて送った別の女友人もいたことを覚えているのだが，どこかで冷静に生のカシオペアを見つめる自分がいたことも覚えている。

　なぜならばカシオペアの生ライヴはすでに何度も体験済だったから！　楽器を弾きながら踊りを決めるカシオペアの映像をすでにＬＤやＴＶで体験していたから，そこまでの衝撃は受けなかったように思う。

　そう。そんな諸悪の元凶？こそがＬＤでリリースされていた『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ』の存在にある。土日は「ぴあ」を片手に東京見物に勤しんでいたのだが，管理人のメインは京成沿線。たまに総武線の津田沼駅。東京と言っても新宿・渋谷より西には足を延ばさないタイプで，しょっちゅう行くのは上野とか秋葉原で，秋葉原の電気街の店頭でよく流れていたのが『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ』のＬＤだった。

　『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ』が流れていると店頭で足を止めて，食い入るようにみつめていたように思う。だから，あれほど憧れていたカシオペアの生ライヴにも興奮と興ざめ感が同居していたのだろう。

　そんなＴＶモニター越しに見まくった『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ』と，人生初ライヴの会場違いの全曲収録『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＰＥＲＦＥＣＴ　ＬＩＶＥ』のＬＤ２枚が「２　ＩＮ　１」でＤＶＤ化されたのが『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ　ＨＩＳＴＯＲＹ　ＰＡＲＴ−１』！　やったね！

　ただし『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ　ＨＩＳＴＯＲＹ　ＰＡＲＴ−１』は購入後１回しか見ていない。
　１回見れば十分。全部次のシーンまで覚えていた。これが５年前なら星５つだったのでしょうねっ。

　正直，３０年前の記録映像の感想は，なんて画質が悪いのだろう。そして動く向谷実に違和感が出てきた（ここ３年間見ている「ＣＡＳＩＯＰＥＡ　３ｒｄ」では，向谷さん不在＆末梢後の大高さんの独壇場！）。

　管理人はどうせ“動く”カシオペアを見るのなら『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＡＧＡＩＮ』を見ると思います。

　おっと『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ　ＨＩＳＴＯＲＹ　ＰＡＲＴ−１』には「ＤＩＳＣ＿１」にも「ＤＩＳＣ＿２」にも，特典映像「野呂一生インタビュー」がありました〜。野呂さんがカシオペアの歴史を熱く語っています〜。
　おおっと『ＣＡＳＩＯＰＥＡ　ＬＩＶＥ　ＨＩＳＴＯＲＹ　ＰＡＲＴ−２』もそろそろ買わなくちゃ〜。

　　DISC_1
　　01. DOWN UPBEAT
　　02. THE CONTINENTAL WAY
　　03. FABBY DABBY
　　04. TWILIGHT SOLITUDE
　　05. MARINE BLUE
　　06. LOOKING UP
　　07. Drum SOLO
　　08. Bass SOLO
　　09. EYES OF THE MIND
　　10. ASAYAKE
　　11. GALACTIC FUNK

　　12. 特典映像：野呂一生インタビュー

　　DISC_2
　　01. OPENING LOGO
　　02. CONJUNCTION
　　03. LOOKING UP
　　04. STREET PERFORMER
　　05. ZOOM
　　06. DEPARTURE
　　07. KEEPERS
　　08. SAMBA MANIA
　　09. GALACTIC FUNK
　　10. SOMETHING WARKING (CHANGE IT)
　　11. CHOOSE ME
　　12. MI SENORA
　　13. SUN
　　14. MOTHER EARTH
　　15. Drum SOLO
　　16. Bass SOLO
　　17. MISTY LADY
　　18. HALLE
　　19. SWEAR
　　20. ASAYAKE
　　21. DAZZILING
　　22. COAST TO COAST

　　23. 特典映像：野呂一生インタビュー

　　　　CASIOPEA
　　　　ISSEI NORO : Guitar
　　　　MINORU MUKAIYA : Keyboard
　　　　TETSUO SAKURAI : Bass
　　　　AKIRA JIMBO : Drums

　　　　YUKOH KUSUNOKI : Vocal

（ジェネオン／GENEON 2004年発売／GNBL-1004）
（ＤＶＤ２枚組）

ドミニク・ファリナッチ ／ ラヴァーズ，テイルズ，アンド・ダンス

　『ＬＯＶＥＲＳ，ＴＡＬＥＳ　＆　ＤＡＮＣＥＳ』（以下『ラヴァーズ，テイルズ，アンド・ダンス』）は，ドミニク・ ファリナッチ初のバラード集である。

　ドミニク・ ファリナッチのような「超正統派」なトランペッターの演奏は，全てが予定調和であって，聴いていて楽しいものではないのだが，その一方で端正な演奏から来る「豊潤な音密度」が楽しくてしょうがない。殊にバラード演奏が楽しくてしょうがない。

　基本，ピアノのケニー・バロン，ベースのジェームス・ジーナスとマーク・ジョンソン，ドラムのルイス・ナッシュの“いぶし銀”を従えたドミニク・ ファリナッチの，まろやかで，ふくよかで，柔らかいトランペットとフリューゲルホーンの音色が，絶妙な甘さのバラード。
　ズバリ『ラヴァーズ，テイルズ，アンド・ダンス』の真髄とは，ドミニク・ ファリナッチが歌い上げる「抒情歌」なのである。

　管理人には，こんなロマンティック・バラード集を作れるトランペッターと来れば，現在のところドミニク・ ファリナッチ以外には思い浮かばない。それぐらいイメージ通りのジャズ。トランペットに“ドハマリ”している。
　ドミニク・ ファリナッチの，静かに，でも熱くほとばしるパッションが清々しくて気持ち良い。

　時に“スムーズっぽい”ドミニク・ ファリナッチのワン・ホーンを“ツボを押さえた”ケニー・バロンのピアノ・トリオが完璧にサイド役に徹し，テナー・サックスのジョー・ロバーノ，ヴァイヴのジョー・ロックが彩りをつけていく。いい演奏である。

　『ラヴァーズ，テイルズ，アンド・ダンス』を繰り返し聴いているうちに，ふとドミニク・ ファリナッチから意識が離れて，あるトランペッターを聴いているような気分に何度も襲われた。
　そのトランペッターとは，ドミニク・ ファリナッチを見い出したウイントン・マルサリスではなく，ドミニク・ ファリナッチのアイドルであるフレディ・ハバードでもなく，恐らくはドミニク・ ファリナッチとは「正反対の男」チェット・ベイカーであった。

　同じイケメンにして，ドミニク・ ファリナッチは「インテリな貴公子」キャラ　ＶＳ　チェット・ベイカーは「肉欲を尽くした破滅キャラ」。
　管理人はジャズメンの私生活は「必らず音楽性に表われる派」なのだが，一周回って，どうやっても結び付きそうにない２人が重なって聴こえる瞬間がたまらなく好き！

　最後に日本盤ボーナス・トラック【崖の上のポニョ】について書く。バラード・アルバムとしての統一感からすると不要なのだが，いつしか【ドント・エクスプレイン】と【ロンリー・ウーマン】目当てに聴いていたはずの『ラヴァーズ，テイルズ，アンド・ダンス』を手に取る大目的が【崖の上のポニョ】の存在へと良い意味で変わってしまった。

　管理人の愛妻は女優やアイドルだけはなくポニョにも似ていると言われたから！　ですから！　ポニョにドミニク・ ファリナッチも感謝！？

　　01. Don't Explain
　　02. Libertango
　　03. Estate
　　04. Vision
　　05. Ne Me Quitte Pas
　　06. E Lucevan Le Stelle
　　07. Erghen Diago
　　08. Silent Cry
　　09. Love Dance
　　10. Bibo No Aozora
　　11. Lonely Woman
　　12. The Theme from The Pawnbroker
　　13. Gake no Ue no Ponyo

（ビクター／KOCH 2009年発売／VICJ-61586）
（ライナーノーツ／都並清史）

大坂 昌彦 ／ ウォーキン・ダウン・レキシントン

　管理人的には「マサちゃんズのドラマー」である大坂昌彦であるが，世間的には「スイングジャーナル誌読者投票ドラム部門」１６年連続第１位！のドラマー。
　つまり，大坂昌彦こそが超大物「日本一のジャズ・ドラマー」なのである。

　大坂昌彦の何がそんなに凄いのか？　管理人なら「音楽的なEM>ドラマーだから」と答えよう。
　大坂昌彦の“最高傑作”『ＷＡＬＫＩＮ’　ＤＯＷＮ　ＬＥＸＩＮＧＴＯＮ』（以下『ウォーキン・ダウン・レキシントン』）は，そんな“音楽的なドラマー”としての資質がよく表現された名盤である。

　『ウォーキン・ダウン・レキシントン』の基本は，ドラムの大坂昌彦，ピアノのマルギュー・ミラー，ベースのクリスチャン・マクドナルドとのピアノ・トリオ。
　この超豪華ピアノ・トリオを“回している”のが大坂昌彦の変化に富んだドラミングである。

　ドラマーのリーダー・アルバムゆえ，どこまでドラムが前面に出るかを考えながらの演奏になるのだろうが，バラエティに富んだ楽曲に合わせてコントロールされた「音楽的」なアクセントが多彩で，どんな曲調でも大坂昌彦のドラムが「音楽のど真ん中」にドンと出る。
　それ位，大立ち回りのドラムなのに『ウォーキン・ダウン・レキシントン』の印象とは，大坂昌彦のドラムではなく，大坂昌彦のオリジナル曲の方である。

　『ウォーキン・ダウン・レキシントン』にゲスト参加したのは，トランペットとフリューゲルホーンのダスコ・ゴイコビッチ，アルト・サックスのフィル・ウッズ，ソプラノ・サックスとアルト・サックスのマーク・グロス，ボーカルのキム・ナザリアンという，超ビッグなジャズメンたち。
　マルギュー・ミラー，クリスチャン・マクドナルドも含めて，ジャズメン足るもの，こんなにも凄腕のメンバーを与えられたら，パーっと打ち上げ花火的な演奏をしたくなるものだろうが大坂昌彦はそうはしない。

　『ウォーキン・ダウン・レキシントン』のポリシーというか縛りとは，演奏ではなくメロディー・ファースト。至ってフォーマルでオーソドックスな演奏に徹している。複雑なコードで曲が進むのだが，全編破綻なく自然な流れがカッコよい。ゆえにこの凄腕メンバーが揃ったということなのだろう。
　ダスコ・ゴイコビッチとフィル・ウッズを主にボーカル・ナンバーの間奏として贅沢に使う意味も理解できるというものだ。

　管理人の結論。『ウォーキン・ダウン・レキシントン』批評。

　『ウォーキン・ダウン・レキシントン』の聴き所は，大坂昌彦の確かなドラミングとメロディーメイカーの才！

　「日本のキース・ジャレット・トリオ」＝「マサちゃんズのドラマー」にして「スイングジャーナル誌読者投票ドラム部門」１６年連続第１位！という“音楽的なドラマー”大坂昌彦のマルチな才能と持ち味が遺憾なく記録されたアルバムだと思う。

　　01. CHATTE TROIS COULEURS
　　02. WALKIN' DOWN LEXINGTON
　　03. THE RIVER FLOWS INTO THE NIGHT
　　04. CLOSE TO YOU
　　05. AN ENGLISHMAN IN NEW YORK
　　06. CHICK-A-DEE
　　07. ONCE UPON A SUMMERTIME
　　08. L-O-V-E
　　09. ONCE UPON A SUMMERTIME
　　10. UNCHAINED MELODY

（キングレコード／KING RECORD 1998年発売／KICJ-351）
（ライナーノーツ／小川隆夫）

ドミニク・ファリナッチ ／ スマイル

　ドミニク・ ファリナッチの存在を知ったのは市原ひかりの『ＳＡＲＡ　ＳＭＩＬＥ』だった。
　『ＳＡＲＡ　ＳＭＩＬＥ』でのドミニク・ ファリナッチはゲスト参加ゆえに，ドミニク・ ファリナッチの演奏は「控え目で端正でストレートな」生真面目なトランペットだった。

　気持ちとしては市原ひかりを立てる“恋女房役”を全うしていた。でもでもドミニク・ ファリナッチの“並外れた実力”は隠せない。サイドメンとして軽く吹いたつもりが剛速球。日本ハムの大谷翔平が軽く投げても１４０ｋｍ出す感じ？　他の投手が全力で投げる１４７ｋｍのストレートをフォーク・ボールで出す感じ？　
　その“並外れた実力”で市原ひかりを２ｎｄへと追いやり，リード・トランペットを吹くドミニク・ ファリナッチに一発で惹かれてしまった。

　『ＳＭＩＬＥ』（以下『スマイル』）を買ってみた。なになに。ライナーノーツを読むと，あのウイントン・マルサリスに「神童」と言わせた“お墨付き”の最高ランクと書かれている。
　やはりそうだった。ドミニク・ ファリナッチは「只者」ではなかった。ドミニク・ ファリナッチがウイントン派だったとは，ちょっとイメージとは違ったのだが，とにかく素のドミニク・ ファリナッチとは“音色良しでテクニック良し”な「超正統派の本格派」であった。

　サイドメンでは感じなかった“風格”を感じる。スレート・アヘッドなジャズ・トランペットの世界観が深く，徹頭徹尾ふくよかな美しい音色と端正なフレージングでリスナーを酔わせてしまう＆狂わせてしまう，ドミニク・ ファリナッチを絶賛せずにはいられない！
　「ＣＴＩ時代のフレディ・ハバード」へのオマージュである【ＣＯＭＥ　ＲＡＩＮ　ＯＲ　ＣＯＭＥ　ＳＨＩＮＥ】が「イナセな」イナタイ８ビート。ヴィブラートの周波数がフレディ・ハバードへのオマージュである。

　サイドメンでは感じなかった“品格”を感じる。スレート・アヘッドなジャズ・トランペットの世界観が深く，こんな感じにアレンジされると「江戸っ子だねぇ。粋だねぇ」とドミニク・ ファリナッチを絶賛せずにはいられない！
　ウイントン派のルーツはクリフォード・ブラウンにあるのだが【Ｉ　ＲＥＭＥＭＢＥＲ　ＣＬＩＦＦＯＲＤ】での叙情性が「イナセ」である。エレガントなバラード【ＴＨＥ　ＮＥＡＲＮＥＳＳ　ＯＦ　ＹＯＵ】と【ＳＭＩＬＥ】での歌心が「イナセ」である。

　ドミニク・ ファリナッチのポリシーとは，ギミック排除のウルトラ・オーソドックス。フレージングの個性に頼ろうとしない，さりげなく小粋な佇まいのジャズ・トランペッター。

　『スマイル』でのドミニク・ ファリナッチのトランペットは相当に「渋い」。クールでまろやかな音色のトランペットが決して熱くならずに美旋律を吹き切っている。

　そう。「神童」ドミニク・ ファリナッチ・クラスともなれば，ガツガツした自己主張など不要なのであろう。
　ただし，ウイントン・マルサリスには食指は伸びるが，ドミニク・ ファリナッチには食指は伸びない。ジャズ・トランペットの世界では「オール５の優等生」でも個性の差異は大きいものなのだ。

　　01. WHO CARES
　　02. THE NEARNESS OF YOU
　　03. ESTATE
　　04. JUST ONE OF THOSE THINGS
　　05. I REMEMBER CLIFFORD
　　06. COME RAIN OR COME SHINE
　　07. THE GREY GOOSE
　　08. RELAXIN' AT PETER'S
　　09. SMILE

（Ｍ＆Ｉ／M&I 2005年発売／MYCJ-30330）
（ライナーノーツ／都並清史）

渡辺 香津美 ／ トリコ・ロール

　ギターの渡辺香津美がベースにヤネク・グウィズダーラ，ドラムのオベド・カルヴェールと，別パターンでドラムのオラシオ“エル・ネグロ”エルナンデスと組んだ“２組のＮＥＷ・エレクトリック・ギター・トリオ”が『ＴＲＩＣＯＲＯＬＬ』（以下『トリコ・ロール』）である。

　『トリコ・ロール』のタイトルから連想したのが，おフランスの「トリコロール・カラー」（ご丁寧にアルバム・ジャケットがトリコロールしている！）だったのだが，これは渡辺香津美お得意のワルふざけのようで『ＴＲＩＣＯＲＯＬＬ』のスペルが違う（おフランスの場合は「ＴＲＩＣＯＬＯＲＥ」）。

　ズバリ『ＴＲＩＣＯＲＯＬＬ』の真意とは「ＴＲＩＯ」＋「ＲＯＣＫ’Ｎ　ＲＯＬＬ」！　『トリコ・ロール』のタイトルに，エレクトリック・ギター・トリオのノリの良さや躍動感が“ミーニング”されている。

　個人的に『トリコ・ロール』のハイライトは，ベースのヤネク・グウィズダーラの名演に尽きる。
　渡辺香津美のギターはいつも通り。曲ごとにインパクトを与えているのがドラムのオベド・カルヴェールとオラシオ“エル・ネグロ”エルナンデスになるのだが，自然と，知らず知らずのうちにヤネク・グウィズダーラのベース・ラインばかりを追いかけてしまう。

　ヤネク・グウィズダーラのプレイ・スタイルが，音色でハッキリした主張するフィンガー・ベースであって，渡辺香津美と共演してきたベーシストでは，ジェフ・バーリンやバーニー・ブルネルとイメージが被るから好みなのだと分析する。それにしてもヤネク・グウィズダーラの「キザミ」が凄い。安定したビートから「怪物」が幾度となく登場している。素晴らしい構成力は「バケモノ」である。

　『トリコ・ロール』のもう一つの“目玉”が選曲。『ＭＯＢＯ』収録の再演となる【上海】とＹＭＯのサポートで弾いていた【ライディーン】。
　この２曲が大変興味深いのだが『トリコ・ロール』を【上海】と【ライディーン】目当てで聴いているうちに，その【上海】と【ライディーン】に間に挟まれた【メタボリズム】に完全ＫＯ。
　いつしか管理人の『トリコ・ロール』聴きとは【メタボリズム】を聴く行為を指すようになってしまった。

　そうしてヤネク・グウィズダーラにジェフ・バーリンやバーニー・ブルネルを重ねてしまうように【メタボリズム】を聴いていると，ジェフ・バーリンの『ＴＨＥ　ＳＰＩＣＥ　ＯＦ　ＬＩＦＥ　２』（『ＴＨＥ　ＳＰＩＣＥ　ＯＦ　ＬＩＦＥ』の方ではない）とバーニー・ブルネルの『ＫＩＬＯＷＡＴＴ』の２枚が脳裏に浮かんでくる。

　これって何なんだろう。『トリコ・ロール』で今の渡辺香津美と昔の渡辺香津美が一気に「点ではなく線とか面とかで」つながったような感覚。
　出来としては完全に初演に負けている【上海】と【ライディーン】も，これはこれでイケテしまう感覚。

　『トリコ・ロール』がジワジワと来る。「ＴＲＩＯ」＋「ＲＯＣＫ’Ｎ　ＲＯＬＬ」の「ＲＯＬＬ」が来ている。

　惜しむべきは，渡辺香津美の狙いとしては曲調によって２人のドラマーを使い分けてみたのであろうが，ジワジワと来ている間に，こちらはオベド・カルヴェールではなくてオラシオ“エル・ネグロ”エルナンデスの方が良かった，そしてこっちはオラシオ“エル・ネグロ”エルナンデスではなくてオベド・カルヴェールの方が良かった，との雑念が入ってしまった。

　渡辺香津美にとっては「究極の選択」となったのかもしれないが，個人的にはオラシオ“エル・ネグロ”エルナンデスで通しても良かったかも…。

　　01. SHANG-HAI
　　02. METABOLISM
　　03. RYDEEN
　　04. ALGORITHM
　　05. SEA DREAM
　　06. PERFECT WATER
　　07. THE SIDEWINDER
　　08. AZIMUTH
　　09. MOMENT'S NOTICE

（イーストワークス・エンタティンメント／EWE 2011年発売／EWBS 0184）
（☆ＢＬＵＥ−ＳＰＥＣ　ＣＤ仕様）
（ライナーノーツ／石沢功治）